Arte

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Arte Desenhada
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A arte é um termo que descreve uma variada gama de atividades humanas e os produtos dessas actividades, mas aqui se refere às Arte visuais, que cobrem a criação de Imagens ou objetos em áreas, incluindo pintura, Escultura, gravura, Fotografia e outras mídias visuais . A Arquitetura é, muitas vezes incluido como uma das Arte visuais, embora, como as Arte decorativas, ele cria objetos onde as considerações práticas de utilização são essenciais em uma forma que eles normalmente não são para a pintura, por exemplo. Música, Teatro, Cinema, dança e outras Arte performativas, bem como literatura e outras mídias, como mídia interativa são incluídos em uma definição mais ampla de arte ou as Arte . [1] Até o Século 17, a arte se refere a qualquer habilidade ou o domínio e não se diferenciava do Arte anato ou das ciências, mas no uso moderno nas Arte plásticas, onde as considerações estéticas são fundamentais, distinguem-se das competências adquiridas em geral e as Arte decorativas ou aplicadas.
Muitas definições de arte têm sido propostas por filósofos e outros que têm caracterizado a arte em termos de mimese, comunicação, expressão de emoção, ou outros valores. Durante o período romântico, a arte passou a ser visto como "uma Faculdade especial da mente humana para ser classificada com a Religião e Ciência". [2]
A Natureza da arte, e conceitos relacionados, tais como a criatividade e interpretação, são exploradas em um ramo da Filosofia conhecido como Estética. [3]
Índice [mostrar]
Definição
 
 
 
Obras de arte podem contar histórias ou simplesmente expressar uma verdade estética ou Sentimento. Panorama de uma seção de mil li de montanhas e rios, uma pintura do século 12, por Song Artista dinastia Wang Ximeng.
A Encyclopædia Britannica Online define a arte como "o uso da habilidade e imaginação na criação de objetos estéticos, ambientes ou experiências que podem ser compartilhados com os outros". Por esta definição da palavra, obras artísticas têm existido por quase tanto Tempo quanto a humanidade:. Da arte pré-histórica cedo para a arte contemporânea, no entanto, algumas teorias restringir o conceito de sociedades ocidentais modernas [4] O sentido primeiro e mais amplo da arte é a única que se manteve mais próxima do significado Latino mais velho, que traduz aproximadamente a "habilidade" ou "habilidade". Alguns exemplos onde este significado prova muito amplo incluem artefato, artifício, artificial, Arte médicas e Arte militares. No entanto, há muitos outros usos coloquiais da palavra, todos com alguma relação à sua etimologia.
 
 
Do século 20 garrafa de Ruanda. Obras de arte podem servir funções práticas, em adição ao seu valor decorativo.
O sentido segundo e mais recente da arte da palavra é como uma abreviatura para a arte criativa ou arte e surgiu no início do século 17. [5] Belas Arte significa que a habilidade está sendo usada para expressar a criatividade do artista, ou manter a sensibilidades estéticas do público, ou para atrair o público para a consideração das coisas mais finas.
A palavra arte pode descrever várias coisas: um estudo de habilidade criativa, um processo de usar a habilidade criativa, um produto da habilidade criativa, ou a experiência do público com a habilidade criativa. As Arte criativas (arte como disciplina) são um conjunto de disciplinas que produzem obras de arte (a arte como objetos) que são obrigados por uma unidade de pessoal (a arte como atividade) e transmitir uma Mensagem, o humor, ou simbolismo para o espectador a interpretar (a arte como experiência). A arte é algo que estimula pensamentos de um Indivíduo, emoções, crenças ou idéias através dos sentidos. Obras de arte podem ser feitas explicitamente para este fim ou interpretados com base em imagens ou objetos. Embora a aplicação de conhecimentos científicos para obter uma nova teoria científica envolve a habilidade e os resultados na "criação" de algo novo, isso representa apenas a ciência e não é classificada como arte.
Muitas vezes, se a habilidade está sendo usada de forma comum ou prática, as Pessoas vão considerá-lo um ofício em vez de arte. Da mesma forma, se a habilidade está a ser utilizado de uma forma comercial ou industrial, pode ser considerado como arte comercial em vez de arte. Por outro lado, o Arte anato e design, por vezes considerada arte aplicada. Alguns seguidores de arte têm argumentado que a diferença entre arte e arte aplicada tem mais a ver com juízos de valor feitos sobre a arte do que qualquer diferença clara definição. [6] No entanto, mesmo arte, muitas vezes tem objetivos para além da criatividade pura e auto-expressão. O objetivo das obras de arte pode ser para comunicar idéias, como no politicamente, espiritualmente, ou arte filosoficamente motivada; para criar um senso de beleza (veja estética), para explorar a natureza da percepção, por prazer, ou de gerar emoções fortes . O efeito pode ser também aparentemente inexistente.
A natureza da arte tem sido descrito pelo Filósofo Richard Wollheim como "um dos mais esquivo dos problemas tradicionais da Cultura humana". [7] A arte tem sido definido como um veículo para a expressão ou a comunicação de emoções e idéias, um meio para explorando e valorizando elementos formais para seu próprio bem, e como mimese ou representação. A arte como mimesis tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles. [8] Goethe definiu a arte como um outro resp. uma segunda natureza, de acordo com seu ideal de um estilo baseado nos fundamentos básicos da visão e sobre o caráter mais íntimo das coisas. [9] Leo Tolstoy identificado arte como a utilização de meios indiretos de se comunicar de uma Pessoa para outra. [8] Benedetto Croce e RG Collingwood avançou a visão idealista de que a arte expressa as emoções, e que a obra de arte, portanto, essencialmente existe na mente do criador. [10] [11] A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Immanuel Kant, e foi desenvolvido no início do século XX por Roger Fry e Clive Bell. Mais recentemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger interpretou a arte como o meio pelo qual uma Comunidade se desenvolve por si só um meio para a auto-expressão e interpretação. [12] George Dickie ofereceu uma teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato em que uma pessoa qualificada ou instituição conferiu "o estatuto de candidato para apreciação". [13]
 
Ver artigo principal: História da arte
 
 
Vênus de Willendorf, cerca de 24,000-22,000 BP
Esculturas, pinturas rupestres, pinturas rupestres e petroglifos do Paleolítico Superior namoro a cerca de 40.000 anos atrás foram encontrados, mas o significado preciso de tal arte é muitas vezes contestada, porque tão pouco se sabe sobre as culturas que os produziram. Os objetos de arte mais antigo da série Mundo-a de pequenos e conchas de caracol perfurados cerca de 75.000 anos-foram descobertos em uma Caverna Sul-Africano. [14] Os recipientes que podem ter sido usados ​​para prender as tintas foram encontrados que datam de 100.000 anos. [15]
 
 
Pintura rupestre de um Cavalo das cavernas de Lascaux, cerca de 16.000 BP
Muitos grandes tradições na arte têm um fundamento na arte de uma das grandes civilizações antigas: Egito Antigo, Mesopotâmia, Pérsia, Índia, China, Grécia Antiga, Roma, bem como Inca, Maya, e olmecas. Cada um destes centros de civilização primitiva desenvolveu um estilo único e característico em seu art. Devido ao tamanho e duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte têm sobrevivido e mais da sua influência foi transmitida a outras culturas e épocas posteriores. Alguns também têm fornecido os primeiros registros de como os artistas trabalhavam. Por exemplo, este período da arte grega viu uma veneração da forma física humana eo desenvolvimento de competências equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza e proporções anatomicamente corretas.
Na arte bizantina e medieval da Idade Média ocidental, a arte muito mais focada na expressão das verdades bíblicas e religiosas, e usado estilos que apresentou a maior glória de um mundo celestial, tais como o uso de Ouro no fundo de pinturas, ou vidro em mosaicos ou janelas, que também apresentou números em idealizados, estampados (plana) formas. No entanto uma Tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e realismo cresceu firmemente na arte da Europa católica.
Arte renascentista tinha uma ênfase muito maior na representação realista do mundo material, eo lugar dos seres humanos nele, refletido na corporalidade do corpo Humano, eo desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para descrever recessão em uma imagem tridimensional espaço imagem.
 
 
A assinatura estilizada do Sultão Mahmud II do Império Otomano foi escrita em caligrafia árabe. Ele lê Mahmud Khan, Filho de Abdulhamid é sempre vitorioso.
 
 
A Grande Mesquita de Kairouan (também chamada de Mesquita de Uqba) é um dos exemplos mais fino, mais importantes e melhor conservadas artística e arquitetônica dos primeiros grandes mesquitas, datado em seu Estado Presente desde o século 9, é o ancestral e do modelo de todas as mesquitas nas terras ocidentais islâmicos. [16] A Grande Mesquita de Kairouan está localizado na Cidade de Kairouan, na Tunísia.
No leste, a rejeição de arte islâmica da iconografia levou a ênfase em padrões geométricos, caligrafia, e arquitetura. Mais a leste, a religião dominou estilos artísticos e formas também. Índia e Tibet viu ênfase em esculturas pintadas e dança, enquanto a pintura religiosa emprestado muitas convenções da escultura e tendiam a cores brilhantes e contrastantes com ênfase em contornos. China viu o florescimento de muitas formas de arte: escultura em jade, bronzework, cerâmica (incluindo o impressionante exército de terracota do Imperador Qin), poesia, caligrafia, música, pintura, drama, Ficção, etc estilos chineses variam muito de época para época e cada um é tradicionalmente chamado após a dinastia reinante. Assim, por exemplo, pinturas Dinastia Tang são monocromáticos e esparsos, destacando paisagens idealizadas, mas pinturas da Dinastia Ming são agitado e colorido, e se concentrar em contar histórias através da definição e composição. Japão nomeia seus estilos após dinastias imperiais também, e também viu interação muito grande entre os estilos de caligrafia e pintura. Woodblock impressão tornou-se importante no Japão a partir do século 17.
 
 
Pintura de artista da dinastia Song Ma Lin, por volta de 1250. 24,8 × 25,2 centímetros
A Idade ocidental do Iluminismo no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racional do Universo Relógio, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monárquico, como retrato de Blake de Newton como um geómetra divino, ou pinturas de propaganda de Davi . Isto levou à rejeição romântica deste em favor de Fotos do lado emocional e individualidade dos seres humanos, exemplificados nos romances de Goethe. O final do século 19, em seguida, viu uma série de movimentos artísticos, tais como arte acadêmica, simbolismo, impressionismo e fauvismo, entre outros.
A história da arte do século XX é uma narrativa de infinitas possibilidades e na busca de novos padrões, cada um sendo demolido em sucessão pelo próximo. Assim, os parâmetros do Impressionismo, Expressionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, etc, não podem ser mantidos muito além do momento de sua invenção. Aumentar a interação global durante este tempo vi uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental, como Pablo Picasso sendo influenciado pela escultura Africano. Estampas japonesas (que tinha se sido influenciado pela Western Desenho renascentista) teve uma enorme influência sobre impressionismo e posterior desenvolvimento. Mais Tarde, esculturas africanas foram ocupados por Picasso e até certo ponto por Matisse. Da mesma forma, a oeste teve grandes impactos sobre a arte oriental nos séculos 19 e 20, com idéias originalmente ocidentais como comunismo e Pós-Modernismo exercendo uma poderosa influência sobre estilos artísticos.
Modernismo, a busca idealista da verdade, deu lugar, na segunda metade do século 20 para realização da sua inatingível. Theodor W. Adorno disse que em 1970, "É hoje um dado adquirido que nada que diz respeito a arte pode ser tida como certa mais:. Nem a própria arte, nem arte em relação com o todo, nem mesmo o direito da arte de existir" [17] O relativismo foi aceito como uma verdade inevitável, o que levou ao período da arte contemporânea ea crítica pós-moderna, onde as culturas do mundo e da história são vistos como formas cambiantes, que podem ser apreciados e retirados apenas com ironia. Além disso, a separação de culturas é cada vez mais confusa e alguns argumentam que é agora o mais apropriado para pensar em termos de uma cultura global, em vez de culturas regionais.
Formas, gêneros, mídia e estilos
 
Ver artigo principal: As Arte
 
 
Detalhe da Mona Leonardo da Vinci, mostrando a técnica de pintura de sfumato
As Arte criativas são muitas vezes divididos em mais categorias específicas, cada uma relacionada a sua técnica, ou médio, tais como Arte decorativas, Arte plásticas, Arte do espectáculo, ou literatura. Diferentemente dos campos científicos, a arte é um dos poucos assuntos que são academicamente organizadas de acordo com a técnica [1] [link morto]. Um meio artístico é a substância ou o material do Trabalho artístico é feita a partir de, e pode também referir-se a técnica utilizada. Por exemplo, a tinta é um meio usado na pintura, e de papel é um meio utilizado no desenho.
Uma forma de arte é a forma específica, ou uma Qualidade de expressão artística leva. Os meios de comunicação usado muitas vezes influenciam a forma. Por exemplo, a forma de uma escultura deve existir no espaço em três dimensões, e respondem à Gravidade. As restrições e limitações de um meio particular são assim chamados suas qualidades formais. Para dar outro exemplo, as qualidades formais da pintura são a textura de lona, ​​cor e textura do pincel. As qualidades formais dos Jogos de vídeo são não-linearidade, interatividade e presença virtual. A forma de uma obra de arte em particular é determinada pelas qualidades formais dos meios de comunicação, e não está relacionado com as intenções do artista ou as reações do público de qualquer forma como estas propriedades estão relacionadas ao conteúdo e não forma. [ 18]
Um gênero é um conjunto de convenções e estilos dentro de um determinado meio. Por exemplo, gêneros bem reconhecidas no Filme são comédia de terror, western e romântico. Gêneros da música incluem death metal e trip hop. Gêneros na pintura da paisagem incluem ainda a Vida e pastoral. Uma obra de arte em particular pode dobrar ou combinar gêneros, mas cada gênero tem um Grupo reconhecível de convenções, clichês e alegorias. (Uma nota:. O gênero da palavra tem um segundo significado mais velho dentro da pintura, pintura de gênero foi uma frase usada em 17 a 19 séculos para se referir especificamente às pinturas de cenas da vida cotidiana e ainda é usado dessa forma)
 
 
A Grande Onda de Kanagawa por Hokusai off (japonês, 1760-1849), impressão xilogravura colorida
 
 
A fonte original de Marcel Duchamp, de 1917, fotografado por Alfred Stieglitz no 291 depois de a Sociedade de 1917 mostra os artistas independentes. Stieglitz utilizado um cenário de The Warriors por Marsden Hartley para fotografar o mictório. A tag entrada exposição pode ser vista claramente. [19]
O estilo de uma obra de arte, artista, ou o movimento é o método distintivo e forma seguido pela arte respectiva. Qualquer brushy solto, pingava ou derramado pintura abstrata é chamada de expressionista. Muitas vezes, o estilo é associado a um período histórico específico, conjunto de idéias, e movimento artístico particular. Assim, Jackson Pollock é chamado um expressionista abstrato.
Um estilo particular pode ter significados culturais específicos. Por exemplo, Roy Lichtenstein-pintor associado ao movimento American Pop arte dos não-1960 era um pontilhista, apesar da sua utilização de pontos. Lichtenstein utilizado uniformemente espaçados Ben-Day pontos (o tipo usado para reproduzir as cores em histórias em Quadrinhos) como um estilo a questionar a arte "alta" da pintura com a arte "baixa" dos quadrinhos, assim, comentando sobre as diferenças de classe na cultura. Pontilhismo, uma técnica no impressionismo tardio (1880), desenvolvido especialmente pelo artista Georges Seurat, utiliza pontos para criar variações de cor e profundidade em uma tentativa de cor a forma como as pessoas realmente ver aproximado. Ambos os artistas usam pontos, mas o estilo particular e técnica referem-se ao movimento artístico adotado por cada artista.
Estas são todas as formas de começar a definir uma obra de arte, para reduzi-lo. "Imagine que você é um crítico de arte cuja missão é comparar os significados que você encontra em uma ampla gama de obras de arte individuais. Como você procederia com a sua tarefa? Uma maneira de começar é examinar os materiais cada artista selecionado para tornar um objeto de imagem, . vídeo, evento ou A decisão de lançar uma escultura em bronze, por exemplo, inevitavelmente afeta o seu significado, o trabalho torna-se algo diferente do que poderia ser se tivesse sido lançado em ouro ou de plástico ou de Chocolate, mesmo que tudo o mais sobre o arte permanece o mesmo. Em seguida, você pode analisar a forma como os materiais em cada obra tornaram-se um arranjo de formas, cores, texturas e linhas. Estes, por sua vez, são organizados em vários padrões e estruturas de composição. Em sua interpretação, você faria comentar sobre como principais características da forma contribuir para o significado geral da obra acabada. [Mas no final] o significado da maioria das obras de arte ... não é esgotado por uma discussão de materiais, técnicas e formas. A maioria das interpretações também incluem uma discussão sobre as idéias e sentimentos dos engendra arte ". [20]
Habilidade e Arte anato
 
 
Adam. Detalhe do afresco de Michelangelo na Capela Sistina (1511)
Veja também: Arte Conceitual e habilidade artística
A arte pode conotar um sentido de capacidade treinada ou domínio de um meio. A arte pode também simplesmente se referem ao uso eficiente desenvolvida e de uma linguagem para transmitir um significado ou com imediatismo e profundidade. A arte é um ato de expressão de sentimentos, pensamentos e observações. [21] Há um entendimento de que é alcançado com o material, como resultado de manipulá-lo, o que facilita os processos de um pensamento. Uma visão comum é que o epíteto de "arte", em particular no seu sentido elevado, exige um certo nível de experiência criativa do artista, quer seja uma demonstração de capacidade técnica, uma originalidade na abordagem estilística, ou uma combinação destes dois. Tradicionalmente habilidade de execução foi visto como uma qualidade inseparável da arte e, portanto, necessário para o seu sucesso, por Leonardo da Vinci, arte, nem mais nem menos do que seus outros empreendimentos, foi uma manifestação de habilidade. Trabalho de Rembrandt, agora elogiado por suas virtudes efêmeras, foi mais admirado por seus contemporâneos para a sua virtuosidade. Na virada do século 20, os desempenhos hábeis de John Singer Sargent foram alternadamente admirado e visto com ceticismo por sua fluência manual, ainda no quase ao mesmo tempo o artista que se tornaria iconoclasta mais reconhecidos e peripatético da época, Pablo Picasso, foi completar uma formação académica tradicional na qual se sobressaiu.
Uma crítica comum contemporâneo de alguma arte moderna ocorre ao longo das linhas de contestar o aparente falta de habilidade ou capacidade necessária na produção do objeto artístico. Na arte conceitual, Marcel Duchamp, "Fountain" está entre os primeiros exemplos de peças em que o artista usou objetos encontrados ("ready-made") e exercido sem definir tradicionalmente reconhecido de competências. Tracey Emin é minha Cama, ou Damien Hirst é a impossibilidade física da Morte na Mente de Alguém Vivo seguir este exemplo e também manipular os meios de comunicação. Emin dormiu (e envolvido em outras atividades) em sua cama antes de colocar o resultado em uma galeria como obra de arte. Hirst surgiu com o projeto conceitual para a obra de arte, mas deixou a maior parte da eventual criação de muitas obras de Arte ãos empregados. Celebridade Hirst é fundada inteiramente em sua capacidade de produzir conceitos chocantes. A produção real em muitos trabalhos conceituais e contemporânea de arte é uma questão de montagem de objetos encontrados. No entanto, existem muitos artistas modernistas e contemporâneos que continuam a sobressair nas habilidades de desenho e pintura e na criação de hands-on obras de arte.
Juízo de valor
 
 
Aborígenes ocos túmulos de log. National Gallery, Canberra, Austrália
 
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Um pouco em relação ao que precede, a arte da palavra também é usada para aplicar juízos de valor, como em expressões como "que a refeição era uma obra de arte" (o cozinheiro é um artista), ou "a arte do engano", ( o nível de habilidade altamente atingido do enganador é elogiado). É esta utilização da palavra como uma medida de alta qualidade e alto valor que dá o termo seu sabor de subjectividade.
Fazer juízos de valor requer uma base para a crítica. No nível mais simples, uma maneira de determinar se o impacto do objeto sobre os sentidos satisfaz os critérios para ser considerado arte é se ela é percebida como ser atraente ou repulsivo. Embora a percepção é sempre colorido pela experiência, e é necessariamente subjectiva, é comumente entendido que o que não é de alguma forma esteticamente satisfatória não pode ser arte. No entanto, a arte "bom" não é sempre, ou mesmo regularmente esteticamente atraentes para a maioria dos telespectadores. Em outras palavras, a motivação principal de um artista não precisa ser a busca da estética. Além disso, a arte muitas vezes retrata imagens terríveis feitos por razões sociais, morais, ou instigante. Por exemplo, a pintura de Francisco Goya retratando os tiroteios espanholas de 3 de Maio de 1808 é uma representação gráfica de um pelotão de fuzilamento executar vários civis suplicantes. Mas, ao mesmo tempo, a imagem horrível demonstra grande habilidade artística de Goya, na composição e execução e produz indignação social e político adequado. Assim, o debate continua sobre qual modo de satisfação estética, se houver, é necessária para definir "arte".
A assunção de novos valores ou a rebelião contra noções aceitas do que é esteticamente superior não precisa ocorrer simultaneamente com um completo abandono da busca do que é esteticamente atraente. Na verdade, o inverso é verdadeiro, muitas vezes, que a revisão do que é popularmente concebida como sendo esteticamente atraente permite um revigoramento da sensibilidade estética e uma nova apreciação para os padrões da própria arte. Inúmeras escolas propuseram seus próprios caminhos para definir a qualidade, mas todas elas parecem concordar em pelo menos um ponto: uma vez que as suas escolhas estéticas são aceitos, o valor da obra de arte é determinado por sua capacidade de transcender os limites do seu meio escolhido para atacar algum acorde universal pela raridade da habilidade do artista ou em seu reflexo exato em que é chamado de zeitgeist.
A arte é, muitas vezes destinados a atrair e conectar-se com a emoção humana. Ele pode despertar sentimentos estéticos ou moral, e pode ser entendida como uma forma de comunicar estes sentimentos. Artistas expressar algo para que seu público é despertada, até certo ponto, mas eles não têm a fazê-lo conscientemente. A arte pode ser considerada uma exploração da condição humana, isto é, o que é ser humano [22].
Propósito da arte
 
 
 
Um tapete Navajo feita por volta de 1880
 
 
Moçárabe Beatus miniatura. Espanha, século 10 atrasado
Art tem um grande número de diferentes funções ao longo de sua história, fazendo seu propósito difícil de quantificar abstrato ou a qualquer conceito único. Isto não implica que o propósito da arte é "vago", mas que teve muitos únicos, diferentes razões para ser criado. Algumas destas funções da arte são fornecidos na seguinte esquema. Os propósitos diferentes de arte podem ser agrupados de acordo com aqueles que não são motivados, e aqueles que são motivados (Lévi-Strauss).
Não-motivados funções da arte
Os fins não-motivados de arte são aqueles que são essenciais ao ser humano, transcendem o indivíduo, ou não cumprir um propósito específico externo. Nesse sentido, a arte, como criatividade, é algo que os humanos devem fazer pela sua própria natureza (isto é, nenhuma outra espécie cria arte), e é, portanto, além da utilidade.
Instinto humano básico para harmonia, equilíbrio, ritmo. Arte a este nível não é uma ação ou um objeto, mas uma apreciação interna de equilíbrio e harmonia (beleza), e, portanto, um aspecto do ser humano além da utilidade.
"A imitação, então, é um instinto de nossa natureza. Em seguida, há o instinto de 'harmonia' e ritmo, metros, sendo manifestamente seções de ritmo. Pessoas, portanto, começando com este dom natural desenvolvido por seus graus de aptidões especiais, até à sua improvisações rudes deu à Luz a poesia. " -Aristóteles [23]
A experiência do misterioso. A arte oferece uma maneira de experimentar a si mesmo em relação ao universo. Esta experiência pode muitas vezes vêm desmotivado, como se aprecia arte, música ou poesia.
"A coisa mais bela que podemos experimentar é o mistério. É a fonte de toda verdadeira arte e ciência". -Albert Einstein [24]
Expressão da imaginação. Arte fornecer um meio de expressar a imaginação não-programática maneiras que não estão ligados à formalidade da linguagem falada ou escrita. Ao contrário de palavras, que vêm em seqüências e cada um dos quais tem um significado definido, a arte oferece uma gama de formas, símbolos e idéias com os significados que são maleáveis.
"Júpiter águia [como um exemplo de arte] não é, como lógicos (estética) atributos de um objeto, o conceito da sublimidade e majestade da criação, mas sim algo mais - algo que dá a imaginação um incentivo para espalhar seu vôo sobre toda uma série de representações afins que provocam mais pensamento do que admite de expressão em um conceito determinado por palavras. Elas fornecem uma idéia estética, que serve a idéia acima racional como um substituto para apresentação Lógica, mas com o bom funcionamento, no entanto, de animar a mente, abrindo para fora para ele uma perspectiva para um Campo de representações afins que se estendem além de seu alcance. " -Immanuel Kant [25]
Funções ritualísticas e simbólicas. Em muitas culturas, a arte é utilizada em rituais, performances e danças como uma decoração ou um Símbolo. Embora estes muitas vezes não têm propósito específico (motivados) utilitária, os antropólogos sabem que muitas vezes servem a um propósito no nível de significado dentro de uma cultura particular. Esse significado não é fornecido por um indivíduo, mas é frequentemente o resultado de muitas gerações de mudança, e de uma relação cosmológica dentro da cultura.
"A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rupestres ou objetos recuperados a partir de contextos pré-históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e são, portanto, classificado como ritual, decorativa ou simbólica, está ciente da armadilha representada pela" arte "do termo." -Silva Tomaskova [26]
Motivado funções da arte
Motivado fins de arte referem-se a ações intencionais, conscientes por parte dos artistas ou criadores. Estes podem ser para trazer a mudança política, a comentar sobre um aspecto da sociedade, para transmitir uma emoção específica ou de humor, para tratar de psicologia pessoal, para ilustrar uma outra disciplina, para (com Arte comerciais) para vender um produto, ou simplesmente como um forma de comunicação.
Comunicação. A arte, em sua forma mais simples, é uma forma de comunicação. Como a maioria das formas de comunicação têm uma intenção ou objetivo direcionado para um outro indivíduo, este é um propósito motivado. Arte ilustrativos, como ilustração científica, são uma forma de arte como comunicação. Mapas são outro exemplo. No entanto, o teor de não precisa de ser científica. Emoções, humores e sentimentos também são comunicadas através da arte.
"[A arte é um conjunto de artefactos] ou imagens com significados simbólicos como um meio de comunicação." -Steve Mithen [27]
A arte como entretenimento. Arte pode tentar trazer uma emoção em particular ou de humor, com a finalidade de relaxar ou entreter o espectador. Isso é muitas vezes a função das indústrias de arte de Filmes e jogos de vídeo.
O Avante-Garde. Arte para a mudança política. Uma das funções definidoras da arte do século XX tem sido a utilização de imagens visuais para trazer a mudança política. Movimentos artísticos que tinham esse objetivo dadaísmo, surrealismo, construtivismo russo e do expressionismo abstrato, entre outros, são referidos coletivamente como as Arte avante-garde.
"Por outro lado, a atitude realista, inspirada no positivismo, de São Tomás de Aquino a Anatole France, parece-me claramente de ser hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu detestá-lo, pois é feito de mediocridade, ódio e sem brilho . vaidade É esta atitude que hoje dá à luz desses livros ridículos, dessas peças insultuosas Ela constantemente se alimenta e retira a força dos jornais e embrutece tanto a ciência e arte na assídua lisonjeiro o mais baixo de gostos;. clareza beirando a estupidez, de um cão vida ". -André Breton (surrealismo) [28]
Arte para fins psicológicos e cura. Arte também é usado por arteterapeutas, psicoterapeutas e psicólogos clínicos como terapia da arte. A série de desenho de diagnóstico, por exemplo, é usado para determinar a personalidade e funcionamento emocional de um paciente. O produto final não é o objetivo principal, neste caso, mas sim um processo de cura, através de atos criativos, é procurado. A peça resultante de obras de arte também podem oferecer insights sobre os problemas vivenciados pelo assunto e pode sugerir abordagens adequados para serem usados ​​em formas mais convencionais de terapia psiquiátrica.
Arte para a investigação social, subversão e / ou anarquia. Embora semelhante à arte para a mudança política, subversiva ou arte desconstrutivista pode procurar questionar aspectos da sociedade, sem qualquer objetivo político específico. Neste caso, a função da arte pode ser simplesmente a criticar algum aspecto da sociedade.
 
 
Pulverizador-pintura graffiti na parede em Roma
A arte do graffiti e outros tipos de arte de Rua são gráficos e imagens que são pintados com spray ou stêncil em paredes visíveis publicamente, prédios, ônibus, trens, pontes e, normalmente sem permissão. Certas formas de arte, como graffiti, também pode ser ilegal quando eles quebram as leis (neste caso de vandalismo).
Arte para propaganda, ou mercantilismo. Arte é freqüentemente utilizada como uma forma de propaganda, e, portanto, podem ser usadas para sutilmente influenciam as concepções populares ou de humor. De forma semelhante, a arte que tenta vender um produto também influencia o humor e emoção. Em ambos os casos, o propósito da arte aqui é sutilmente manipular o espectador para uma determinada resposta emocional ou psicológica para uma determinada idéia ou objeto. [29]
A arte como um indicador de fitness. Tem sido argumentado que a capacidade do cérebro humano excede de longe o que era necessário para a sobrevivência no ambiente ancestral. Uma explicação da psicologia evolutiva para isso é que o cérebro humano e as características associadas (como a habilidade artística e criatividade) são o equivalente humano da cauda do pavão. O objetivo da cauda extravagante do pavão macho tem sido argumentado que ser para atrair as fêmeas (ver também fugitivo Fisherian e princípio da desvantagem). Segundo esta teoria execução superior de arte era evolutiva importante porque atraiu companheiros. [30]
As funções da arte descrito acima não são mutuamente exclusivos, já que muitos deles podem se sobrepor. Por exemplo, a arte com o propósito de entretenimento também podem procurar para vender um produto, ou seja, o jogo de filme ou de vídeo.
Arte controversa
 
 
 
Raft Théodore Géricault da Medusa, circa 1820
Mais informações: Arte e política
Raft Théodore Géricault da Medusa (c. 1820), foi um comentário social sobre um evento atual, sem precedentes na época. Le Déjeuner de Manet Édouard sur l'Herbe (1863), não foi considerada escandalosa por causa da Mulher nua, mas porque ela está sentada ao lado de homens completamente Vestidos com a roupa do tempo, ao invés de Roupas do mundo antigo. Madame John Singer Sargent Pierre Gautreau (Madam X) (1884), causou um alvoroço enorme sobre a Rosa avermelhado usado para colorir lobo da mulher ouvido, considerado muito sugestivo e, supostamente, arruinando a reputação do modelo de alta-sociedade.
No século XX, a Guernica de Pablo Picasso (1937) utilizaram técnicas de impedimento cubistas e Stark óleos monocromáticas, para retratar as conseqüências terríveis de um atentado contemporâneo de uma pequena e antiga cidade basca. Interrogatório Leon Golub do III (1981), retrata uma mulher detento, nude capuz amarrado a uma cadeira, com as pernas abertas a revelar seus órgãos sexuais, rodeado por dois carrascos vestidos com roupas comuns. Andres Serrano Piss Christ (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representa o sacrifício de Cristo eo sofrimento final, submersa em um copo de urina do próprio artista. O tumulto resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das Arte .
Teorias da arte
 
No século XIX, os artistas eram principalmente preocupado com as idéias de verdade e de beleza. A estética teórico John Ruskin, que defendeu o que viu como o naturalismo de JMW Turner, viu o papel da arte como a comunicação pelo artifício de uma verdade essencial de que só poderia ser encontrada na natureza. [31]
A definição e avaliação de arte tornou-se especialmente problemático desde o século 20. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: a realista, qual a qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer ponto de vista humano, o Objectivist, pelo qual também é um valor absoluto, mas é dependente da experiência humana em geral, ea posição relativista, pelo que não é um valor absoluto, mas depende e varia de acordo com a experiência humana dos seres humanos diferentes. [32]
A chegada do modernismo no século XIX levar a uma ruptura radical na concepção da função da arte, [33] e novamente no final do século XX com o advento do pós-modernismo. Artigo de Clement Greenberg 1960 "Pintura modernista" define a arte moderna como "o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina". [34] Greenberg originalmente aplicado essa idéia para o movimento expressionista abstrato e usou-a como uma forma de compreender e justificar plana (não-ilusionista) pintura abstrata:
Arte, realista naturalista tinha dissimulou o meio, usando a arte de esconder a arte, o modernismo usado arte para chamar a atenção para a arte. As limitações que constituem o meio de superfície de pintura-o plana, a forma do suporte, as propriedades do pigmento foram tratados pelos mestres velhos como factores negativas, que podem ser reconhecidos apenas implicitamente ou indirectamente. Sob o Modernismo estas mesmas limitações chegou a ser considerado como fatores positivos, e foram reconhecidos abertamente. [34]
Depois de Greenberg, vários teóricos da arte importantes surgiram, tais como Michael Fried, Clark TJ, Rosalind Krauss, Nochlin Linda e Pollock Griselda entre outros. Embora apenas originalmente concebida como uma maneira de compreender um conjunto específico de artistas, a definição de Greenberg da arte moderna é importante para muitas das idéias de arte dentro dos movimentos artísticos diversos do século 20 e início do século 21.
Artistas pop como Andy Warhol tornou-se notável e influente tanto através do trabalho e, possivelmente, inclusive criticando a cultura popular, bem como o mundo da arte. Artistas dos anos 1980 e 1990, e 2000 expandiu esta técnica de auto-crítica para além da arte de alta para todos cultural imagem de decisões, incluindo imagens de Moda, quadrinhos, cartazes e pornografia.
Disputas de classificação
 
Ver artigo principal: disputas classificatórias sobre a arte
Controvérsias quanto à possibilidade ou não de classificar algo como uma obra de arte são referidos como disputas classificatórias sobre a arte.
Disputas classificatórias no século 20 ter incluído cubista e pinturas impressionistas, Fonte de Duchamp, os filmes, imitações superlativo de notas, arte conceitual, e jogos de vídeo. [35]
O filósofo David Novitz argumentou que a discordância sobre a definição de arte raramente são o Coração do problema. Pelo contrário, "as preocupações e interesses apaixonados que os seres humanos colete em sua vida social" são "uma parte grande de todas as disputas classificatórias sobre a arte" (Novitz, 1996). De acordo com Novitz, as disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e onde a sociedade está tentando ir do que eles estão prestes a teoria adequada. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou o trabalho de Hirst e Emin da argumentando "Por 1.000 anos de arte tem sido uma das nossas grandes forças civilizadoras. Hoje, as Ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam tornar bárbaros de todos nós", eles não estão avançando uma definição ou teoria sobre a arte, mas questionando o valor de Hirst e obra de Emin de. [36] Em 1998, Arthur Danto, sugeriu um experimento de pensamento mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta a partir das idéias de uma cultura se aplica a ele, em vez que suas inerentes qualidades físicas ou perceptíveis. interpretação Cultural (uma teoria da arte de algum tipo) é, portanto, constitutiva de arthood de um objeto ". [37] [38]
Anti-arte é um rótulo para a arte que intencionalmente desafia os parâmetros e valores estabelecidos de arte; [39] é termo associado com o Dadaísmo e atribuído a Marcel Duchamp, pouco antes da Primeira Guerra Mundial, [39], quando ele foi fazer arte a partir de objetos encontrados [39]. Um deles, Fountain (1917), um urinol comum, alcançou grande destaque e influência na arte. [39] Anti-arte é uma característica do trabalho da Internacional Situacionista [40], a arte correio lo-fi movimento, e os Jovens artistas britânicos, [39] embora seja uma forma ainda rejeitada pelos Stuckists, [39] que se descrevem como anti-anti-arte. [41] [42]
Arte, classe, valor e
 
 
 
Versailles: Louis Le Vau abriu o pátio interior para criar a entrada expansivo cour d'honneur, mais tarde copiada por toda a Europa.
A arte é por vezes considerado como pertencendo a classes sociais mais altas. Neste contexto, a arte é vista como uma atividade de classe superior associada à riqueza, a capacidade de comprar a arte eo lazer necessário para prosseguir ou apreciá-lo. O Palácio de Versalhes e do Hermitage em São Petersburgo ilustrar esta visão: tais vastas colecções de arte são a preservação dos ricos, dos governos e organizações ricos.
Bens finos e caros têm sido marcadores populares do estado, em muitas culturas, e eles continuam a ser assim hoje. Tem havido um empurrão cultural na outra direção, pelo menos desde 1793, quando o Louvre, que tinha sido um palácio privado dos Reis de França, foi aberto ao público como um museu de arte durante a Revolução Francesa. A maioria dos museus públicos modernos e programas de ensino de arte para crianças nas escolas pode ser rastreada até este impulso para a arte acessível a todos. Museus nos Estados Unidos tendem a ser presente dos ricos muito para as massas (O Metropolitan Museum of Art, em Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston, um executivo de ferrovia, cuja coleção de arte pessoal semeado no museu.) Mas apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no século 21 permanece como um marcador de riqueza e status social.
 
 
Performance de Joseph Beuys, 1978: Todo mundo um artista - No caminho para a forma libertária do Organismo social
Houve tentativas de artistas para criar arte que não pode ser comprado por ricos como um objeto de status. Uma das principais motivadoras originais de grande parte da arte do final dos anos 1960 e 1970 foi a de criar arte que não podia ser comprada e vendida. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos" [43] disse que o grande artista do pós-guerra alemão Joseph Beuys. Este período viu o surgimento de coisas como arte performática, vídeo arte e arte conceitual. A idéia era que se o trabalho artístico foi um desempenho que iria deixar nada para trás, ou era simplesmente uma idéia, ela não podia ser comprada e vendida. "Preceitos democráticos que giram em torno da idéia de que uma obra de arte é uma commodity impulsionou a inovação estética que germinou em meados dos anos 1960 e foi colhido ao longo dos anos 1970. Artistas amplamente identificadas no título da arte conceitual ... substituindo atividades de desempenho e de publicação para o compromisso com o material e preocupações materialistas de forma pintado ou escultural ... [têm] esforçou-se para minar o objeto de arte objeto qua ". [44]
Nas décadas seguintes, essas idéias têm sido um pouco perdido como o mercado de arte aprendeu a vender DVDs edição limitada de trabalhos em vídeo, [45] convites para peças de arte exclusivas de desempenho, e os objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criar obras que são apenas compreendidos pela elite que foram educados a respeito de porque uma idéia ou vídeo ou um pedaço de lixo aparente pode ser considerado arte. O marcador de estado torna-se compreender o trabalho em vez de necessariamente possuí-lo, ea obra continua a ser uma atividade de classe alta. "Com o uso generalizado de tecnologia de gravação de DVD no início de 2000, os artistas, eo sistema de galeria que deriva seus lucros da venda de obras de arte, ganhou um importante meio de controlar a venda de vídeo e de Computador trabalhos em edições limitadas para colecionadores."

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