Música

em Música


Música é uma Arte formulário cuja média é de Som . Seus elementos comuns são passo (que governa melodia e harmonia ), ritmo (e seus conceitos associados ritmo , metro , e articulação ), dinâmica , e as qualidades sonoras de timbre e textura . A palavra deriva do grego μουσική ( mousike ; "arte das musas "). [ 1 ] Na sua forma mais geral, as atividades que descrevem a música como uma forma de arte incluem a produção de obras de música, a crítica de música, o estudo da História da música, bem como a divulgação Estética da música.
 
A criação, o desempenho , o significado, e até mesmo a definição de música variam de acordo com a Cultura eo contexto social. Faixas de música a partir de composições estritamente organizadas (e sua recriação na performance), através da música de improviso para aleatórios formas. A música pode ser dividida em gêneros e subgêneros , embora as linhas divisórias e as relações entre gêneros musicais são muitas vezes sutis, às vezes abertas à interpretação pessoal, e ocasionalmente controverso. Dentro das artes , a música pode ser classificada como uma arte de performance , uma bela arte , e arte auditiva. Ele também pode ser dividido entre música erudita e música popular . Há também uma forte ligação entre música e Matemática . [ 2 ] A música pode ser tocada e ouvida ao Vivo, pode ser parte de uma obra dramática ou Filme , ou pode ser gravado.
 
Para muitas Pessoas, em muitas culturas, a música é uma parte importante do seu modo de Vida. grego antigo e filósofos indianos definiu a música como tons ordenados horizontalmente quanto verticalmente melodias e harmonias. Provérbios comuns, tais como "a harmonia das esferas" e "é música para os meus ouvidos" apontam para a noção de que a música é muitas vezes encomendados e agradáveis ​​de se ouvir. No entanto, o compositor do Século 20 John Cage achava que qualquer som pode ser música, dizendo, por exemplo: "Não há nenhum ruído, apenas som." [ 3 ]
 
Conteúdo  [ hide ] 
1 Etimologia
2 A música como forma de arte
2.1 Composição
2.2 Notation
2.3 Improvisation
2.4 Teoria
3 História
3.1 eras pré-históricas
3.2 Ancient Egypt
3.3 culturas asiáticas
3.4 As referências na Bíblia
3,5 Antiquity
3.5.1 Grécia Antiga
3.8 O Barroco
3.9 Classicismo
3.10 Romantismo
3.11 20th- e-século 21 músicas
4 Desempenho
4.1 Tradição Aural
4.2 Ornamentação
5 Filosofia e estética
6 Psicologia
6.1 A neurociência cognitiva da música
6.2 musicologia cognitiva
6.3 Psychoacoustics
6.4 musicologia Evolutionary
6.5 Cultura em cognição musical
7 Sociologia
8 de mídia e tecnologia
9 de Negócios
10.1 Não Profissional
10,2 Academia
10,3 Etnomusicologia
11 Musicoterapia
12 Veja também
13 Referências
14 Leitura
15 Ligações externas
Etimologia
A palavra deriva do grego μουσική ( mousike ; "arte das musas "). [ 1 ]
 
A música como forma de arte
 
Jean-Gabriel Ferlan executa em um concerto de 2008 no Collège-Lycée Saint-François Xavier
A música é composta e executada para muitas finalidades, que vão desde o prazer estético, fins religiosos ou cerimoniais, ou como um entretenimento de produtos para o mercado. Como o poeta e ensaísta Geoffrey O'Brien observa, misturar fitas são uma forma de arte em si, uma "auto-retrato, um gesto de Amizade, a prescrição para um partido ideal ... um ambiente constituído exclusivamente por o que é mais ardentemente amada. ". [ 4 ] músicos amadores compor e tocar música para seu próprio prazer, e eles não retiram sua renda da música. Os músicos profissionais são contratados por uma série de instituições e organizações, incluindo forças armadas, igrejas e sinagogas, orquestras sinfônicas, de radiodifusão ou de produção cinematográfica empresas e escolas de música . Os músicos profissionais, por vezes, trabalhar como freelancer, em busca de contratos e compromissos em uma variedade de configurações.
 
Muitas vezes há muitas ligações entre músicos amadores e profissionais. Começando músicos amadores tomar aulas com músicos profissionais. Em ambientes comunitários, músicos amadores avançados realizar com músicos profissionais em uma variedade de conjuntos, como bandas de concerto , orquestras , entre outras formações. Em alguns casos, músicos amadores atingir um nível profissional de competência, e eles são capazes de realizar em contextos de desempenho profissional. A distinção é feita frequentemente entre a música executada em benefício de uma platéia ao vivo e música que é executada com o objetivo de ser gravada e distribuída através do sistema de varejo de música ou o sistema de radiodifusão. No entanto, também há muitos casos em que uma performance ao vivo na frente de uma platéia é gravada e distribuída (ou de difusão).
 
Composição
Ver artigo principal: Composição Musical
 
O compositor Michel Richard Delalande , a caneta na mão.
"Composição" é muitas vezes classificada como a criação e gravação de música através de um meio pelo qual os outros podem interpretá-lo (ou seja, de papel ou de som). Muitas culturas usar pelo menos parte do conceito de preconceber material musical, ou composição, como detidos no oeste da música clássica . Mesmo quando a música é simbolizada precisamente, ainda há muitas decisões que um Artista tem que fazer. O processo de um performer decidir a forma de executar a música que tenha sido previamente composta e simbolizada é denominada interpretação. Interpretações da mesma música Diferentes dos artistas pode variar muito. Compositores e compositores que apresentam suas próprias músicas estão interpretando, tanto quanto aqueles que executam a música de outros ou da música folk. O corpo padrão de escolhas e técnicas presentes em um determinado momento e num determinado local é referido como prática da performance , ao passo que a interpretação é geralmente utilizado para designar tanto as escolhas individuais de um artista, ou um aspecto da música que não está claro, e, portanto, tem uma interpretação "standard".
 
Em alguns gêneros musicais, como Jazz e blues, ainda mais liberdade é dada ao intérprete a se envolver em improvisação em um quadro melódica, harmônica, rítmica ou de base. A maior latitude é dado ao performer em um estilo de realizar chamado livre improvisação , que é o material que é espontaneamente "pensamento de" (imaginada) enquanto está a ser executada, não preconcebida. Música improvisada geralmente segue as convenções estilísticas ou gênero e até mesmo "totalmente composta" inclui alguns materiais livremente escolhido . Composição nem sempre significa o uso de notação, ou a autoria único conhecido de um Indivíduo. A música também pode ser determinada por descrever um "processo" que cria sons musicais. Exemplos dessa gama de sinos de vento, por meio de programas de Computador que selecionam sons. Música de elementos aleatórios é chamada música aleatória , e está associada com compositores como John Cage, Morton Feldman , e Witold Lutosławski .
 
A música pode ser composta por desempenho repetido ou pode ser improvisado: composto no local. A música pode ser efectuada inteiramente a partir da memória, a partir de um sistema de escrita de notação musical, ou uma combinação de ambos. Estudo da composição tem sido tradicionalmente dominada por exame de métodos e prática da música clássica ocidental, mas a definição de composição é suficientemente ampla para incluir obras improvisadas espontaneamente como os de free jazz performers e percussionistas africanos, como os bateristas Ovelha .
 
Notação
Ver artigo principal: Notação musical
 
Partituras está escrito representação da música. Este é um homorhythmic (ie, hino de estilo) arranjo de uma peça tradicional intitulado " Adeste Fideles ", em formato de dois funcionários padrão para vozes mistas. Jogar ( ajuda · informação )Acerca deste som  
Notação é a expressão escrita de notas da música e ritmos em papel, utilizando símbolos. Quando a música é escrita para baixo, os arremessos e ritmo da música é simbolizada, juntamente com instruções sobre como executar a música. O estudo de como ler a notação envolve teoria musical, harmonia, o estudo da prática da performance, e em alguns casos uma compreensão de métodos de desempenho históricos. A notação escrita varia com estilo e período de música. Na música Arte Ocidental, os tipos mais comuns de notação escrita são dezenas, que incluem todas as peças de música de uma peça conjunto, e suas partes, que são a notação musical para os artistas individuais ou cantores. Na música popular, jazz, e blues, a notação musical padrão é a folha de chumbo, que anota a melodia, acordes, letras (se ele é uma peça vocal), e estrutura da música. Pontuações e peças também são usados ​​na música popular e jazz, especialmente em grandes conjuntos, como jazz "big bands".
 
Na música popular, guitarristas e elétrica de baixo jogadores costumam ler música anotada em tablatura (muitas vezes abreviado como "guia"), que indica a localização das notas a serem tocadas no instrumento utilizando um diagrama da Guitarra ou baixo fingerboard. Tabulature também foi usado no estilo barroco para anotar música para o alaúde , um instrumento de cordas, com trastes. Música escrita é produzida como partituras . Para executar música de notação exige uma compreensão de ambos os elementos rítmicos e arremesso incorporados nos símbolos e a prática de desempenho que está associado a uma peça de música ou um gênero. Na improvisação, o artista joga frequentemente de música, onde apenas as mudanças de acordes são escritos, o que requer uma grande compreensão da estrutura e da música de acordes progressões .
 
Improvisação
Ver artigo principal: a improvisação musical
Improvisação musical é a criação de música espontânea. Improvisação é muitas vezes considerado um ato de composição instantânea por artistas, onde as técnicas de composição são empregados com ou sem preparação. Improvisação é uma parte importante de alguns tipos de música, como azuis , jazz e fusion jazz , em que artistas instrumentais improvisar solos e linhas melódicas. Na tradição de música arte ocidental, a improvisação foi uma habilidade importante durante o período barroco e durante a era clássica; solistas e cantores improvisado cadenzas virtuoso durante os shows. No entanto, nos dias 20 e início do século 21, como "prática comum" western music art desempenho se institucionalizou em orquestras sinfônicas, óperas e balés, improvisação tem desempenhado um papel menor, ao mesmo Tempo que muitos compositores cada vez mais voltou para a sua inclusão em sua Trabalho criativo. Na música clássica indiana, improvisação espontânea é um componente central e um dos critérios essenciais de qualquer performance.
 
Teoria
Ver artigo principal: teoria musical
Teoria musical abrange a Natureza e mecânica da música. Muitas vezes, envolve a identificação de padrões que regem as técnicas dos compositores e examinar a linguagem e notação musical. Em uma grande sentido, teoria musical destila e analisa os parâmetros ou elementos da música - ritmo , harmonia ( função harmônica ), melodia , estrutura , forma e textura . Em termos gerais, a teoria da música podem incluir qualquer declaração, Crença ou concepção de ou sobre música. [ 5 ] As pessoas que estudam estas propriedades são conhecidas como teóricos da música. Alguns têm aplicado acústica , fisiologia humana e psicologia para a explicação de como e por que a música é percebida . A música tem muitos fundamentos ou elementos diferentes. Estes são, mas não estão limitados a: pitch, bater ou pulso, ritmo, melodia, harmonia, textura, atribuição de vozes, timbre ou a cor, qualidades expressivas (dinâmica e articulação), e forma ou estrutura.
 
O passo é uma sensação subjetiva, refletindo geralmente a baixeza ou alteza de um som. Ritmo é o arranjo de sons e silêncios em tempo . Medidor anima tempo em agrupamentos pulso regular, chamadas medidas ou bares . A melodia é uma série de notas soando em sucessão. As notas de uma melodia são tipicamente criados em relação a lançar sistemas, tais como escalas ou modos . Harmony é o estudo das sonoridades verticais em música. Sonoridade Vertical refere-se a considerar as relações entre arremessos que ocorrem em conjunto; geralmente isso significa, ao mesmo tempo, embora a harmonia também pode ser implicada por uma melodia que esboça uma estrutura harmônica. As notas podem ser organizados em diferentes escalas e modos . Teoria musical ocidental geralmente divide a oitava em uma série de 12 notas que podem ser incluídos em uma peça musical. Na música escrita utilizando o sistema de maior-menor tonalidade , a chave de uma peça determina a escala utilizada. textura Musical é o som geral de uma peça de música comumente descritos de acordo com o número de e relacionamento entre as partes ou linhas de música: monophony , heterofonia , polifonia , homofonia , ou monody .
 
Timbre, às vezes chamado de "Cor" ou "Color Tone" é a Qualidade ou o som de uma voz ou instrumento. [ 6 ] qualidades expressivas são aqueles elementos na música que criam mudança na música que não estão relacionados ao Campo, ritmo ou timbre. Eles incluem Dynamics e Articulação. Form é uma faceta de teoria musical que explora o conceito de sintaxe musical, a nível local e global. Exemplos de formas comuns de música ocidental incluem a fuga , a invenção , sonata-allegro , Canon , strophic , tema e variações , e rondo . Música popular, muitas vezes faz uso de forma strophic muitas vezes em conjunto com barras Doze azuis . Análise é o esforço para descrever e explicar a música.
 
História
Mais informações: História da música
Eras pré-históricas
Ver artigo principal: a música pré-histórica
Música pré-histórica só pode ser teorizado base em conclusões de paleolíticos sítios arqueológicos. Flautas são muitas vezes descobertas, esculpida a partir de ossos em que laterais buracos tenham sido perfurado; estes são pensados ​​para ter sido destruído em uma ponta como a Japonesa shakuhachi . A Flauta Divje borracho , esculpida a partir de um Urso das cavernas fêmur , é pensado para ser, pelo menos, 40 mil anos de idade. Instrumentos como a flauta de sete furos e vários tipos de instrumentos de cordas , como o Ravanahatha , foram recuperados a partir das Civilização do Vale arqueológicos sites. [ 7 ] A Índia tem uma das mais antigas tradições musicais nas referências mundiais para clássica indiana música ( marga ) são encontrados nos Vedas , escrituras antigas do Hindu tradição. [ 8 ] A coleção mais antiga e maior de instrumentos musicais pré-históricos foi encontrado na China e remonta a entre 7000 e 6600 aC. [ 9 ] A canção Hurrian , encontrado em tabletes de argila que datam de aproximadamente 1400 aC, é o mais velho sobrevivente trabalho simbolizada pela música.
 
Antigo Egito
Ver artigo principal: Música do Egito
 
Músicos de Amun , Túmulo de Nakht , 18a dinastia , Western Thebes
Os antigos egípcios creditado um de seus deuses, Thoth , com a invenção da música, com Osiris , por sua vez usado como parte de seu esforço para civilizar o Mundo. Os primeiros materiais e provas de representação de instrumentos musicais egípcios remonta ao período pré-dinástico , mas a evidência é mais segurança atestada no Antigo Império , quando harpas , flautas e clarinetes duplas foram jogados. [ 10 ] instrumentos de percussão , cítaras e alaúdes foram adicionados a orquestras pelo Reino Médio . Cymbals [ 11 ] frequentemente acompanhadas de música e dança, tanto quanto eles ainda fazer em Egito hoje. Egyptian música folk , incluindo as tradicionais Sufi dhikr rituais, são o mais próximo contemporânea gênero musical para egípcia antiga música, tendo preservado muitas das suas características, ritmos e instrumentos. [ 12 ] [ 13 ]
 
Culturas asiáticas
 
As Mulheres indianas vestidas em trajes regionais tocando uma variedade de instrumentos musicais populares em diferentes partes da Índia
Gangubai Hangal 
Durga
 
Veja também: Música do Irã , Música do Afeganistão , Música do Tajiquistão , Música do Sri Lanka e da música do Uzbequistão
Música clássica indiana é uma das mais antigas tradições musicais do mundo. [ 14 ] A civilização do Vale do Indo tem esculturas que mostram a dança [ 15 ] e instrumentos musicais antigos, como a flauta de sete furos. Vários tipos de instrumentos de cordas e tambores foram recuperados de Harrappa e Mohenjo Daro por escavações realizadas por Sir Mortimer Wheeler . [ 16 ] O Rigveda tem elementos de Presente música indiana, com uma notação musical para denotar o medidor e do modo de cantar. [ 17 ] a música clássica indiana (marga) é monofônico, e com base em uma única linha melódica ou raga ritmicamente organizada através de talas . Silappadhikaram por Ilango Adigal dá tanta informação sobre como nova escala pode ser formado por transferência modal do tônico de escala existente. [ 18 ] música hindustani foi influenciada pelas práticas de desempenho persas dos Mongóis afegãs. Carnatic música popular nos estados do Sul, é em grande parte devocional; a maioria das canções são dirigidas às divindades hindus. Há um monte de músicas que enfatizam o Amor e outras questões sociais.
 
Música asiática cobre as culturas musicais de Saudita , Ásia Central , Leste da Ásia , Sul da Ásia e Sudeste da Ásia . música clássica chinesa , a tradicional arte ou tribunal de música da China, tem uma história que se estende por cerca de três mil anos. Ele tem seus próprios sistemas sem igual de notação musical, como também afinação musical e lança, instrumentos musicais e estilos ou gêneros musicais. . A música chinesa é pentatônica-diatônica, com uma escala de doze notas de uma oitava (5 + 7 = 12) como faz música de influência europeia música persa é a música da Pérsia e países de Língua persa: musiqi , a Ciência ea arte da música e Muzik , o som e performance da música (Sakata 1983).
 
Referências na Bíblia
Ver artigo principal: História da música no período bíblico
 
"David com a sua Harpa" Paris Saltério , 
c. 960, Constantinopla
Música e Teatro estudiosos da história e antropologia da semita e início judaico-cristã cultura descobriram ligações comuns na atividade teatral e musical entre as culturas clássicas da Hebreus e os dos posteriores gregos e romanos . A área comum de desempenho encontra-se em um "fenômeno chamado sociais ladainha , "uma forma de oração que consiste em uma série de invocações ou súplicas . O Journal of Religion and Theatre observa que entre as primeiras formas de ladainha, "ladainha hebraico foi acompanhada por uma rica tradição musical: " [ 19 ]
 
"Enquanto Gênesis 4.21 identifica Jubal como o" pai de todos os que tocam harpa e órgão ", o Pentateuco é quase silêncio sobre a prática e ensino da música no início da vida de Israel. Então, em I Samuel 10 e os textos que seguir, acontece uma coisa curiosa. "Encontra-se no texto bíblico", escreve Alfred Sendrey ", um surto repentino e inexplicável de grandes coros e orquestras, que consiste em grupos musicais perfeitamente organizados e treinados, o que seria praticamente inconcebível sem demorado, metódica preparação. "Isso levou alguns estudiosos a acreditar que o profeta Samuel foi o patriarca de uma escola, que ensinou não só os profetas e homens Santos, mas também músicos de rito sagrado. Esta escola de música pública, talvez o mais rapidamente na história, foi não restrito a uma classe-que sacerdotal é a forma como o jovem pastor Davi aparece em cena como um menestrel ao Rei Saul. " [ 19 ]
Antiguidade
Culturas ocidentais tiveram uma grande influência no desenvolvimento da música. A história da música das culturas ocidentais pode ser rastreada até a Grécia Antiga vezes.
 
Grécia Antiga
A música era uma parte importante da vida social e cultural na Grécia Antiga . Músicos e cantores tiveram um papel de destaque no teatro grego . [ 20 ] Mixed-sexo coros realizados para o entretenimento, celebração, e cerimônias espirituais. [ 21 ] Os instrumentos incluídos o double-reed aulos e uma arrancada instrumento de cordas , a lira , principalmente o especial tipo chamado de kithara . Música foi uma parte importante da educação, e os meninos foram ensinados a música a partir de seis anos de idade. Alfabetização musical grega criou um florescimento de desenvolvimento música. Greek teoria musical incluiu os gregos modos musicais , que eventualmente se tornou a base para a Western religiosa e clássica música. Mais Tarde, influências do Império Romano , a Europa Oriental , e o Império Bizantino mudou a música grega. O epitáfio Seikilos é o exemplo mais antigo de uma composição musical completa, incluindo notação musical, a partir de qualquer lugar do mundo.
 
A Idade Média
Léonin ou Pérotin 
Breves morre hominis
 
O medieval era (476-1400) começou com a introdução de cantar em Igreja Católica Romana serviços. Western Music, em seguida, começou a tornar-se mais de uma forma de arte com os avanços na notação musical. A única repertório medieval europeu que sobrevive de diante de cerca de 800 é o monofônico litúrgica cantochão da Igreja Católica Romana, a tradição central do que foi chamado de canto gregoriano . Paralelamente a estas tradições do sagrado e música da igreja existia uma tradição vibrante da música secular . Exemplos de compositores deste período são Léonin , Pérotin e Guillaume de Machaut .
 
A Renascença
TL de Victoria 
Amicus Meus
 
 
Alegoria da música, por Filippino Lippi
Renaissance música (c. 1400-1600) foi mais focada em temas seculares. Por volta de 1450, a impressão de imprensa foi inventada, e que ajudou a difundir estilos musicais mais rapidamente e através de uma área maior. Assim, a música pode ter um papel cada vez mais importante na vida diária. Músicos trabalhou para a igreja, campos e cidades. Coros de igreja cresceu em tamanho, ea igreja continuou a ser um patrono importante da música. Em meados do século 15, os compositores escreveram música sacra ricamente polifônica. Compositores de destaque a partir desta época são Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley , e Orlande de Lassus . No entanto, a atividade musical mudou para os tribunais. Reis e príncipes competiram para os melhores compositores.
 
Muitos principais compositores importantes vieram da Holanda, Bélgica, e do Norte da França e são chamados os compositores franco-flamengos. Eles ocupou cargos importantes em toda a Europa, especialmente na Itália. Outros países com vidas musicais vibrantes incluem Alemanha, Inglaterra e Espanha.
 
O Barroco
JS Bach 
Toccata and Fugue
 
O período barroco da música ocorreu 1600-1750, como o estilo artístico barroco floresceu em toda a Europa; e durante este tempo, a música expandido na sua gama e complexidade. Música barroca começou quando as primeiras óperas foram escritas e quando contrapontística música tornou-se predominante. Compositores barrocos alemão escreveu para pequenos conjuntos , incluindo cordas, metais e instrumentos de sopro , bem como coros , órgão de tubos , cravo e clavicórdio . Durante este período, várias formas de música principais foram definidos que durou em períodos posteriores, quando eles foram expandidas e evoluiu ainda mais, incluindo a fuga , a invenção , a sonata , eo concerto . [ 22 ] O estilo barroco tardio foi polifonicamente complexo e ornamental e Rico nas suas melodias. Compositores da era barroca incluem Johann Sebastian Bach , George Frideric Handel , e Georg Philipp Telemann .
 
Classicismo
WA Mozart 
Symphony 40 g-moll
 
A música do período clássico (1.750-1.830) olhou para a arte e filosofia da Grécia e Roma antigas, para que os ideais de equilíbrio, proporção e expressão disciplinada. Tem uma textura mais leve, mais clara e consideravelmente mais simples, e tendem a ser quase voicelike e singable. Novos gêneros foram descobertos. O estilo principal foi a homofonia , [ 23 ] onde proeminente melodia e acompanhamento são claramente distintos.
 
Importância foi dada ao instrumental da música. Foi dominado por uma maior evolução das formas musicais definidos inicialmente no período barroco: a sonata , o concerto , ea sinfonia . Outros principais tipos foram trio , quarteto de cordas , serenata e divertimento . A sonata foi a forma mais importante e desenvolvido. Apesar de compositores barrocos também escreveu sonatas, o estilo clássico da sonata é completamente distinta. Todas as principais formas instrumentais da era clássica foram baseadas na estrutura dramática da sonata.
 
Um dos passos evolutivos mais importantes feitas no período clássico foi o desenvolvimento de concertos públicos. A aristocracia ainda iria desempenhar um papel significativo no patrocínio de vida musical, mas agora era possível para os compositores de sobreviver sem ser seus empregados permanentes. A crescente popularidade levou a um crescimento tanto no número e variedade das orquestras. A expansão dos concertos orquestrais exigiu grandes espaços públicos. Como resultado de todos estes processos, música sinfônica (incluindo ópera , ballet e oratório ) tornou-se mais extrovertida.
 
Os compositores mais conhecidos do Classicismo são Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven e Franz Schubert . Beethoven e Schubert, também são considerados compositores em evolução para o romantismo.
 
Romantismo
R. Wagner 
Die Walküre
 
Música romântica (c. 1810-1900) transformou os estilos e formas rígidas da era clássica em pedaços mais apaixonadas e expressivas. Ele tentou aumentar a expressão emocional e poder para descrever verdades mais profundas e sentimentos humanos. As qualidades emocionais e expressivos da música veio a prevalecer sobre a técnica e tradição. Compositores românticos cresceu em idiossincrasia, e foi mais longe no sincretismo de-formas de arte diferentes (tais como literatura), história (figuras históricas), ou a própria natureza com a música. O amor romântico foi um tema predominante em muitas obras compostas durante esse período. Em alguns casos, as estruturas formais do período clássico foram preservados, mas em muitos outros existentes gêneros, formas e funções foram aprimoradas. Além disso, foram criadas novas formas que foram consideradas mais adequadas para o novo assunto. Opera e ballet continuou a evoluir. [ 20 ]
 
Em 1800, a música desenvolvida por Ludwig van Beethoven e Franz Schubert introduziu um mais dramático, estilo expressivo. No caso, de Beethoven motivos , desenvolvida organicamente, veio substituir melodia como a unidade de composição mais significativo. Compositores românticos posteriores, como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák , e Gustav Mahler usado mais elaborados acordes e mais dissonância para criar tensão dramática. Eles geraram obras complexas e muitas vezes muito mais tempo musical. Durante o período Romântico tonalidade estava no seu auge. O final do século 19 viu uma dramática expansão no tamanho da orquestra , e no papel de concertos como parte de urbano Sociedade. Ele também viu uma nova diversidade no teatro musical , incluindo opereta e comédia musical e outras formas de teatro musical . [ 20 ]
 
20th- século 21 e-music
Ver artigo principal: a música do século 20
 
Duplo baixista Reggie Workman , jogador de Saxofone tenor Pharoah Sanders , eo baterista Idris Muhammad realizar em 1978
Com música do século 20 , houve um grande aumento na audição de música como o rádio ganhou popularidade e fonógrafos foram usadas para reproduzir e distribuir música. O foco da música erudita foi caracterizado pela exploração de novos ritmos, estilos e sons. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg , e John Cage foram todos os compositores influentes da música arte do século 20. A invenção de gravação de som e a capacidade de editar música deu origem a um novo subgênero da música clássica, incluindo o acusmático [ 24 ] e Música Concreta escolas de composição eletrônica.
 
Jazz evoluiu e tornou-se um gênero importante da música ao longo do século 20, e durante a segunda metade desse século, a música Rock fez o mesmo. Jazz é uma forma de arte musical norte-americana que teve origem no início do século 20 em afro-americanos comunidades no sul dos Estados Unidos a partir de uma confluência de africanos e europeus tradições musicais. O estilo do Oeste Africano pedigree é evidente em seu uso de notas azuis , improvisação , polirritmia , Syncopation , ea nota balançada . [ 25 ] Desde o seu desenvolvimento inicial até o presente, jazz também incorporou música do 19 e do século 20 popular americana música . [ 26 ] Jazz tem, desde o seu início 20 do início do século, gerou uma variedade de subgêneros, variando de New Orleans Dixieland (1910) para 1970 e 1980 da era de fusão jazz-rock .
 
O rock é um gênero de música popular que se desenvolveu na década de 1960 a partir de 1950 o rock and roll , rockabilly , azuis , e música country . [ 27 ] O som do rock muitas vezes gira em torno da guitarra elétrica ou Violão e utiliza um forte volta batida previsto por uma seção rítmica de elétrico guitarra baixo , Bateria e instrumentos de Teclado, como órgão , o Piano , ou, desde a década de 1970, sintetizadores analógicos e os digitais e computadores, desde a década de 1990. Junto com a guitarra ou teclados, saxofone e blues ao estilo Gaita são usados ​​como instrumentos soloing. Na sua "forma mais pura", que "tem três acordes, uma batida traseira forte, insistente, e uma melodia cativante". [ 28 ] No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, que se ramificou em diferentes subgêneros, variando de blues rock e jazz fusion -Rock de heavy metal e punk rock , assim como o gênero influenciou mais clássica de rock progressivo e vários tipos de rock experimental gêneros.
 
Atuação
Ver artigo principal: Desempenho
 
Chinesas Naxi músicos
Desempenho é a expressão física da música. Muitas vezes, uma obra musical é realizada uma vez a sua estrutura e instrumentação são satisfatórios para seus criadores; no entanto, como ele é executado, ele pode evoluir e mudar. Um desempenho pode ser ensaiado ou improvisado . Improvisação é uma idéia musical criado sem premeditação, enquanto ensaio é a repetição vigorosa de uma idéia até que tenha alcançado a coesão. Músicos , às vezes, adicionar improvisação a uma idéia muito bem ensaiada para criar uma performance única.
 
Muitas culturas incluem fortes tradições de a Solo e desempenho, como na música clássica indiana, e na tradição da arte-música ocidental. Outras culturas, como em Bali , incluem fortes tradições de desempenho do Grupo. Todas as culturas incluem uma mistura de ambos, e desempenho pode variar de solo improvisado jogar por um de diversão para altamente planejada e organizada rituais de desempenho, tais como o concerto clássico moderno, procissões religiosas, festivais de música ou concursos de música . A música de câmara , que é música para um pequeno conjunto com apenas um pouco de cada tipo de instrumento, é frequentemente visto como mais íntimo do que obras sinfônicas.
 
Tradição Aural
Muitos tipos de música, como tradicionais de blues e música popular foram originalmente preservado na memória dos artistas, e as músicas foram proferidas por via oral , ou sonoros (de ouvido). Quando o compositor de música já não é conhecido, esta música é muitas vezes classificado como "tradicional". Diferentes tradições musicais têm diferentes atitudes em relação a como e onde fazer alterações no material de fonte original, de bastante rigoroso, para as pessoas que exigem a improvisação ou a alteração à música. A história da cultura também pode ser passada de ouvido através da música.
 
Ornamentação
Ver artigo principal: Ornamento (música)
 
Em uma nota ou em parte da música de um artista, este sinal indica que o músico deve realizar um trinado -a rápida alternância entre duas notas. Jogar ( ajuda · informação )Acerca deste som  
O detalhe incluído explicitamente na notação musical varia entre os gêneros e períodos históricos. Em, notação de música em geral a arte do século 17 até os artistas do século 19 necessários para ter uma grande quantidade de Conhecimento contextual sobre a realização de estilos. Por exemplo, no século 17 e 18, a música simbolizada por artistas solo tipicamente indicado uma melodia simples, sem adornos. No entanto, esperava-se performers para saber como adicionar enfeites estilisticamente apropriados, tais como trinados e voltas . No século 19, a música de arte para artistas solo pode dar uma instrução geral, como para executar a música de forma expressiva, sem descrever em detalhes como o intérprete deve fazer isso. O performer era esperado para saber como usar as mudanças de tempo, acentuação e pausas (entre outros dispositivos) para obter este "expressiva" estilo de performance. No século 20, notação de música arte muitas vezes tornou-se mais explícito e utilizou uma série de marcações e anotações para indicar a artistas como eles devem tocar ou cantar a peça.
 
Na música popular e jazz, notação de música quase sempre indica apenas a estrutura básica da melodia, harmonia, ou abordagem de desempenho; músicos e cantores são esperados para conhecer as convenções de desempenho e estilos associados com gêneros e peças específicas. Por exemplo, a " folha de chumbo "para uma música de jazz só pode indicar a melodia e as mudanças de acordes. Os artistas do grupo de jazz são esperados para saber como "Carne para fora" esta estrutura básica pela adição de ornamentação, música improvisada, e acompanhamento de acordes.
 
Filosofia e estética
Ver artigo principal: Filosofia da música e Estética da música
Filosofia da música é o estudo das questões fundamentais em relação à música. O estudo filosófico da música tem muitas ligações com questões filosóficas em metafísica e estética . Algumas questões básicas da filosofia da música são:
 
Qual é a definição de música? (Quais são as condições necessárias e suficientes para classificar algo como música?)
Qual é a relação entre a música ea mente?
O que faz história musical revelar-nos sobre o mundo?
Qual é a conexão entre a música e as emoções?
O que é o significado em relação à música?
Tradicionalmente, a estética da música explorou as dimensões matemáticas e cosmológicas de organização rítmica e harmônica. No século XVIII, o foco mudou para a experiência de ouvir música, e, portanto, a perguntas sobre sua beleza e prazer Humano ( plaisir e gozo ) de música. A Origem desta mudança filosófica é por vezes atribuída a Baumgarten , no século 18, seguido por Kant . Através de sua escrita, o antigo termo "estética", ou seja, a percepção sensorial, recebeu o seu Dia presente conotação. Nas últimas décadas, os filósofos tendem a enfatizar questões além de beleza e prazer. Por exemplo, a capacidade da música para expressar a emoção tem sido uma questão central.
 
No século 20, as contribuições importantes foram feitas por Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton , e Stephen Davies . No entanto, muitos músicos, críticos de música , e outros não-filósofos têm contribuído para a estética da música. No século 19, um debate significativo surgiu entre Eduard Hanslick , um crítico de música e musicólogo e compositor Richard Wagner . Harry Partch e alguns outros musicólogos , como Kyle Gann , estudaram e tentou popularizar a música microtonal eo uso de alternativo musical escalas . Também muitos compositores modernos como Lamonte Jovem , Rhys Chatham e Glenn Branca prestou muita atenção a uma escala chamada apenas entonação .
 
Pensa-se frequentemente que a música tem a capacidade de afetar nossa emoções , intelecto e psicologia ; ele pode amenizar a nossa solidão ou incitar nossas paixões. O Filósofo Platão sugere em República que a música tem um efeito direto sobre a alma. Por isso, ele propõe que na música regime ideal estaria intimamente regulados pelo Estado. (Livro VII)
 
Houve uma forte tendência na estética da música para enfatizar a importância fundamental da estrutura de composição; no entanto, outras questões relacionadas com a estética da música incluem lirismo , a harmonia , o hipnotismo , emotividade , dinâmica temporal , ressonância , lúdico, e cor (ver também o desenvolvimento musical ).
 
Psicologia
Ver artigo principal: a psicologia da música
Psicologia da música moderna tem como objetivo explicar e compreender musical comportamento e experiência . [ 29 ] A investigação neste domínio e seus subcampos são essencialmente empírica ; seu conhecimento tende a avançar com base na interpretação de dados coletados pela sistemática de observação e interacção com participantes humanos . Além de seu foco em percepções fundamentais e processos cognitivos, psicologia música é um campo de pesquisa com relevância prática para muitas áreas, incluindo a música de desempenho , composição , educação , crítica , e terapia , bem como investigações de humano aptidão , habilidade , inteligência , criatividade e comportamento social .
 
A neurociência cognitiva da música
Ver artigo principal: A neurociência cognitiva da música
 
O córtex auditivo primário é uma das principais áreas associadas com a resolução de altura superior.
A neurociência cognitiva da música é o estudo científico dos mecanismos baseados em cerebrais envolvidas nos processos cognitivos subjacentes música. Estes comportamentos incluem escuta música, execução, composição, leitura, escrita, e atividades auxiliares. É também cada vez mais preocupados com a base cerebral para estética musical e emoção musical. O campo se distingue pela sua dependência de observações diretas do cérebro, usando técnicas como a ressonância magnética funcional (fMRI), a estimulação magnética transcraniana (TMS), magnetoencefalografia (MEG), a eletroencefalografia (EEG) e tomografia por emissão de pósitrons (PET) .
 
Musicologia cognitiva
Ver artigo principal: musicologia cognitiva
Musicologia cognitiva é um ramo da ciência cognitiva relacionada com a modelagem computacional de conhecimento musical, com o objetivo de entender a música e cognição. [ 30 ] O uso de modelos de computador fornece uma exigente, meio interativo em que a formular e testar teorias e tem raízes na artificial inteligência e ciência cognitiva . [ 31 ]
 
Este campo interdisciplinar investiga temas como os paralelos entre linguagem e música no cérebro. Modelos biologicamente inspirados de computação muitas vezes são incluídos na pesquisa, tais como redes neurais e programas evolutivos. [ 32 ] Este campo procura modelar como o conhecimento musical é representada, armazenados, percebida, executado e gerado. Usando um ambiente de computador bem estruturada, as estruturas sistemáticas desses fenômenos cognitivos podem ser investigadas. [ 33 ]
 
Psychoacoustics
Ver artigo principal: Psychoacoustics
Mais informações: Audição (sentido)
Psicoacústica é o estudo científico de som percepção. Mais especificamente, é o ramo da ciência que estuda as psicológicas e fisiológicas respostas associadas a sons (incluindo a fala e música). Ele pode ainda ser classificados como um ramo da psicofísica .
 
Musicologia Evolutionary
Ver artigo principal: musicologia Evolutionary
Musicologia Evolutionary diz respeito às "origens da música, a questão da canção Animais, pressões de seleção subjacentes evolução da música" e "evolução da música e da evolução humana". [ 34 ] Ele procura entender a percepção musical e atividade no contexto da teoria da evolução . Charles Darwin especulou que a música pode ter realizado uma vantagem adaptativa e funcionava como um protolíngua , [ 35 ] uma visão que gerou várias teorias da evolução da música concorrente. [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] Uma visão alternativa vê a música como um subproduto de evolução lingüística ; um tipo de "cheesecake auditivo" que agrada os sentidos, sem fornecer qualquer função adaptativa. [ 39 ] Este ponto de vista foi directamente contrariada por inúmeros pesquisadores de música. [ 40 ] [ 41 ] [ 42 ]
 
Cultura em cognição musical
Ver artigo principal: Cultura em cognição musical
Veja também: Etnomusicologia
De um indivíduo cultura ou etnia desempenha um papel na sua cognição musical , incluindo as suas preferências , reação emocional e memória musical . Preferências musicais estão inclinados para as tradições musicais culturalmente familiares que começam na infância, e os adultos 'classificação da emoção de uma peça musical depende tanto as características estruturais culturalmente específicos e universais. [ 43 ] [ 44 ] Além disso, os indivíduos 'habilidades de memória musicais são maiores para música culturalmente familiar do que para a música culturalmente desconhecido. [ 45 ] [ 46 ]
 
Sociologia
Ver artigo principal: Sociomusicology
 
Esta pintura da dinastia Song (960-1279), intitulado a "Noite Revels de Han Xizai", mostra músicos chineses entreter os convidados em uma Festa em uma Casa do século 10-.
Muitos estudos etnográficos demonstrar que a música é uma atividade baseada na Comunidade participativa. [ 47 ] [ 48 ] A música é vivenciada pelos indivíduos em uma variedade de contextos sociais que variam de estar sozinho para assistir a um grande concerto, formando uma comunidade de música , o que pode não ser compreendida como uma função de vontade ou acidente indivíduo; inclui tanto os participantes comerciais e não-comerciais com um conjunto compartilhado de valores comuns. Apresentações musicais assumir diferentes formas em diferentes culturas e ambientes socioeconômicos. Na Europa e na América do Norte, muitas vezes há uma divisão entre os quais os tipos de música são vistos como uma " alta cultura "e" baixa cultura . " "Alta cultura" tipos de música tipicamente incluem música arte ocidental, como barroco, clássico, romântico, e sinfonias da era moderna, concertos e trabalhos solo, e normalmente são ouvidos em concertos formais em salas de concerto e igrejas, com o público sentado calmamente em assentos.
 
Outros tipos de-music, incluindo, mas não limitado a, jazz, blues, soul , e País -são muitas vezes realizadas em bares, Casas noturnas e teatros, onde o público pode ser capaz de beber, dançar e se expressar por torcendo. Até o final do século 20, a divisão entre formas musicais "altos" e "baixos" foi amplamente aceito como uma distinção válida que se separou de melhor qualidade, mais avançado "música da arte" dos estilos populares da música ouvida em bares e salões de dança.
 
No entanto, na década de 1980 e 1990, musicólogos que estudam essa divisão percebida entre gêneros musicais "altos" e "baixos", argumentou que essa distinção não é baseado no valor musical ou a qualidade dos diferentes tipos de música. [ carece de fontes? ] Em vez disso, eles argumentou que esta distinção foi baseada em grande parte das socioeconomia pé ou de classe social dos artistas ou da audiência dos diferentes tipos de música. [ carece de fontes? ] Por exemplo, enquanto a audiência para concertos sinfônicos clássicas normalmente têm renda acima da média, o público-alvo um concerto de rap em uma área do centro da Cidade pode ter rendimentos abaixo da média. [ carece de fontes? ] Mesmo que a artistas, público, ou local onde não música "arte" é realizado pode ter um nível socioeconômico mais baixo, a música que é executada , como o blues, rap, o punk , o funk , ou ska pode ser muito complexo e sofisticado.
 
Quando compositores introduzir estilos de música que rompem com a convenção, não pode haver uma forte resistência por parte de especialistas musicais acadêmicas e da cultura popular. Late-época Beethoven quartetos de cordas, Stravinsky balé pontuação, o serialismo , bebop -era jazz, hip hop, punk rock, e electronica todos foram considerados não-música por alguns críticos, quando foram introduzidas pela primeira vez. [ carece de fontes? ] Tais temas são examinados na sociologia da música. O estudo sociológico da música, às vezes chamado sociomusicology , muitas vezes é perseguido em departamentos de sociologia, estudos de mídia, ou a música, e está intimamente relacionado ao campo da etnomusicologia .
 
Mídia e tecnologia
Mais informações: música Computer
A música que compositores fazer pode ser ouvida através de vários meios de comunicação social ; a forma mais tradicional é ouvi-lo ao vivo, na presença dos músicos (ou como um dos músicos), em um espaço interior ou exterior, como um anfiteatro, sala de concertos , cabaret Quarto ou teatro . A música ao vivo também pode ser transmitido através da rádio , Televisão ou a Internet . Alguns estilos musicais concentrar na produção de um som para uma performance, enquanto outros se concentram na produção de uma gravação que mistura sons juntos que nunca foram tocadas "ao vivo". A gravação, mesmo de viver essencialmente estilos, muitas vezes usa a capacidade de editar e emendar para produzir gravações considerado melhor do que o desempenho real.
 
Como falar Imagens surgiram no início do século 20, com suas trilhas musicais pré-gravadas, um número crescente de Moviehouse músicos da orquestra encontraram-se fora do trabalho. [ 49 ] Durante os anos 1920 apresentações musicais ao vivo por orquestras, pianistas e organistas teatro eram comuns no início teatros -run. [ 50 ] Com a vinda dos que falam de imagens em movimento, essas performances existentes foram em grande parte eliminado. A Federação Americana de Músicos (AFM) tirou anúncios de jornal protestando contra a substituição de músicos ao vivo com dispositivos mecânicos de jogo. Um 1929 de anúncio que apareceu no Pittsburgh Press caracteriza uma imagem de uma lata com o rótulo "Canned Music / Big Noise Brand / Garantido para não produzem reação intelectual ou emocional Whatever" [ 51 ]
 
Dado que a legislação introduzida para ajudar a proteger artistas, compositores, editores e produtores, incluindo o Audio Home Recording Act de 1992 nos Estados Unidos, e de 1979 revisto Convenção de Berna para a Proteção das Obras Literárias e Artísticas no Reino Unido, gravações e performances ao vivo também se tornaram mais acessíveis por meio de computadores, dispositivos e Internet de uma forma que é comumente conhecido como música-On-Demand .
 
Em muitas culturas, há menos distinção entre desempenho e ouvir música, uma vez que praticamente todos estão envolvidos em algum tipo de atividade musical, muitas vezes comum. Nos países industrializados, a ouvir música através de um formulário registrados, tais como gravação de som ou assistindo a um vídeo de música , tornou-se mais comum do que experimentando performance ao vivo, mais ou menos no meio do século 20.
 
Às vezes, performances ao vivo incorporar sons pré-gravados. Por exemplo, um disc jockey usa registros do disco para coçar , e algumas obras do século 20 tem um solo para um instrumento ou voz que é realizada junto com a música, que é pré-gravada em uma fita. Computadores e muitos teclados podem ser programados para produzir e jogo Musical Instrument Digital Interface (MIDI) música. O público também pode tornar-se artistas participando de karaoke , uma atividade de origem japonesa centrada em um dispositivo que reproduz versões eliminado vocais de canções conhecidas. A maioria das máquinas de karaokê também têm telas de vídeo que mostram letras de músicas sendo executadas; performers pode seguir as letras como eles cantam sobre as faixas instrumentais.
 
Internet
O advento da Internet transformou a experiência da música, em parte através da maior facilidade de acesso à música e ao aumento da escolha. Chris Anderson , em seu livro A Cauda Longa: Por que o futuro dos negócios é vender menos de mais , sugere que, embora o modelo econômico da oferta e da procura descreve a escassez, o modelo de varejo Internet é baseada em abundância. armazenamento digital custos são baixos, de modo que uma empresa pode dar ao luxo de fazer seu inventário inteiro disponível on-line, oferecendo aos clientes o máximo de escolha possível. Tornou-se assim economicamente viável para oferecer produtos que muito poucas pessoas estão interessadas em. Crescente Consciência de suas aumento escolha resulta em uma associação mais estreita entre ouvir os gostos e identidade social, bem como a criação de milhares de Consumidores nichos de mercado . [ 52 ]
 
Outro efeito da Internet surge com comunidades online como Youtube e Facebook , um serviço de rede social . Esses sites simplificar a conexão com outros músicos, e facilitam muito a distribuição de música. Os músicos profissionais também usam o YouTube como um editor gratuito de material promocional. Usuários do YouTube, por exemplo, já não só baixar e ouvir MP3s , mas também ativamente criar o seu próprio. De acordo com Don Tapscott e Anthony D. Williams , em seu livro Wikinomics , tem havido uma mudança de um papel tradicional do consumidor para o que eles chamam de " prosumer papel ", o consumidor que tanto cria e consome. As Manifestações desta na música incluem a produção de mashes , remixes e vídeos de música por fãs. [ 53 ]
 
Negócio
Ver artigo principal: indústria musical
A indústria da música refere-se ao setor de negócios relacionados com a criação e venda de música. É constituída por gravadoras, rótulos e editoras que distribuem produtos de música gravados internacionalmente e que muitas vezes controlam os direitos sobre esses produtos. Algumas gravadoras são " independentes ", enquanto outros são filiais de entidades empresariais maiores ou internacionais grupos de mídia . Na década de 2000, a popularidade crescente de ouvir música como arquivos de música digital em MP3 players, iPods ou computadores, e da música negociação em sites de compartilhamento de arquivos ou comprá-lo on-line na forma de arquivos digitais teve um grande impacto sobre a música tradicional negócio. Muitas lojas menores CD independentes saiu do negócio como compradores de música diminuíram suas compras de CDs, e muitos rótulos teve vendas de CDs mais baixos. Algumas empresas se saiu bem com a mudança para um formato digital, no entanto, tal como da Apple iTunes , uma loja online que vende arquivos digitais de músicas através da Internet.
 
Educação
Não profissional
Ver artigo principal: A educação musical
 
Um recital de violino Suzuki com alunos de diferentes idades.
A incorporação de formação musical do pré-escolar ao ensino pós-secundário é comum na América do Norte e Europa. Envolvimento na música é pensado para ensinar habilidades básicas, tais como a concentração, a contagem , a escuta, e cooperação ao mesmo tempo, promover a compreensão de linguagem , melhorando a capacidade de recordar informações e criando um ambiente mais propício para a aprendizagem em outras áreas. [ 54 ] Em elementar escolas , as crianças muitas vezes aprender a tocar instrumentos como o Gravador , cantar em pequenos coros, e aprender sobre a história da música ocidental da arte. Nas escolas secundárias alunos podem ter a oportunidade de realizar algum tipo de conjuntos musicais, tais como coros, bandas , bandas de concerto , bandas de jazz , ou orquestras e, em alguns sistemas escolares, aulas de música podem estar disponíveis. Alguns alunos também ter privadas aulas de música com um Professor. Músicos amadores tipicamente ter aulas para aprender rudimentos musicais e beginner- de técnicas musicais de nível intermediário.
 
Na Universidade nível, os alunos, na maioria das artes e humanidades programas podem receber crédito para a tomada de cursos de música, que geralmente tomam a forma de um curso de visão geral sobre a história da música , ou uma apreciação musical claro que se concentra em ouvir música e aprender sobre diferentes estilos musicais. Além disso, a maioria das universidades norte-americanas e europeias têm algum tipo de conjuntos musicais que os alunos não-musicais são capazes de participar, como coros, bandas de música, bandas de concerto, ou orquestras. O estudo da arte da música ocidental é cada vez mais comum fora da América do Norte e Europa, como o Instituto Indonésio das Artes em Yogyakarta , Indonésia , ou dos programas de música clássica que estão disponíveis em países asiáticos, como Coréia do Sul, Japão e China. Ao mesmo tempo, as universidades ocidentais e faculdades estão ampliando seu currículo para incluir música de culturas não-ocidentais, como a música da África ou Bali (eg Gamelan music).
 
Academia
Musicología é o estudo do objecto de música. As primeiras definições definiu três sub-disciplinas: musicologia sistemática , musicologia histórica , e musicologia comparativa ou etnomusicologia . Na ciência contemporânea, é mais provável encontrar uma divisão da disciplina em teoria musical, história da música, e etnomusicologia. Pesquisa em musicologia tem sido muitas vezes enriquecida pelo trabalho interdisciplinar, por exemplo, no campo da psicoacústica . O estudo da música de culturas não ocidentais, bem como o estudo cultural de música, é chamado de etnomusicologia. Os alunos podem prosseguir o estudo de graduação da musicologia, etnomusicologia, história da música e teoria musical através de vários tipos diferentes de graus, incluindo um B.Mus , um BA com concentração na música, um BA com honras em Música, ou um bacharelado em História da Música e Literatura. Egressos dos cursos de graduação de música pode ir para um estudo mais aprofundado em programas de pós-graduação de música.
 
Pós-graduação incluem o Master of Music , o Master of Arts , o Doctor of Philosophy (Ph.D.) (por exemplo, em musicologia ou teoria musical) e, mais recentemente, o Doctor of Musical Arts , ou DMA. O grau de Master of Music, que leva de um a dois anos para ser concluído, é normalmente concedido aos estudantes que estudam o desempenho de um instrumento, a educação, a voz ou composição. O grau de Master of Arts, que leva de um a dois anos para ser concluído e muitas vezes requer uma tese , é normalmente concedido aos estudantes que estudam musicologia, história da música, ou a teoria da música. Graduação diplomas universitários na música, incluindo o Bacharelado em Música , o Bachelor of Educação Musical, e o Bachelor of Arts (com especialização em música) normalmente levam três a cinco anos para ser concluído. Estes graus proporcionar aos alunos uma base na teoria musical e história da música, e muitos estudantes também estudar um instrumento ou aprender a cantar técnica como parte de seu programa.
 
O PhD, o que é necessário para os estudantes que desejam trabalhar como professores universitários em musicologia, história da música, ou a teoria da música, leva 3-5 anos de estudo após o grau de Mestre, período em que o Aluno irá completar cursos avançados e realizar pesquisas para uma dissertação. O DMA é relativamente novo grau que foi criado para fornecer uma credencial para artistas profissionais ou compositores que queiram trabalhar como professores universitários no desempenho ou composição musical. O DMA leva de três a cinco anos depois de um curso de mestrado, e inclui cursos avançados, projetos e performances. Em tempos medievais, o estudo da música foi um dos Quadrivium das sete Artes Liberais e considerado vital para ensino superior. Dentro do Quadrivium quantitativa, música, ou mais precisamente harmônicas , foi o estudo de proporções racionais.
 
Zoomusicology é o estudo da música de animais não-humanos, ou os aspectos musicais de sons produzidos por animais não-humanos. Como George Herzog (1941) perguntou: "Os animais têm música?" François-Bernard Mâche 's Musique, mythe, natureza, ou les Dauphins d'Arion (1983), um estudo de "ornitho-musicologia", usando uma técnica de Nicolas Ruwet 's Langage, musique, poésie (1972) análise de segmentação paradigmático , mostra que o canto dos pássaros são organizados de acordo com um princípio de repetição-transformação. Jean-Jacques Nattiez (1990), argumenta que "em última análise, é um ser humano que decide o que é e não é musical, mesmo quando o som não é de origem humana. Se reconhecermos que o som não é organizado e conceituada (isto é, feito para formar música) apenas pelo seu produtor, mas pela mente que percebe isso, então a música é exclusivamente humana. "
 
A teoria da música é o estudo da música, geralmente de uma forma altamente técnica externa de outras disciplinas. De forma mais ampla que se refere a qualquer estudo da música, geralmente relacionados de alguma forma com as preocupações de composição, e pode incluir a matemática , a física e antropologia . O que é mais comumente ensinada em aulas teóricas começando música são as diretrizes para escrever no estilo do período de prática comum , ou a música tonal . Teoria, mesmo da música do período de prática comum, pode tomar muitas outras formas. teoria dos conjuntos Musical é a aplicação da matemática teoria dos conjuntos de música, aplicada pela primeira vez a música atonal . teoria musical especulativo , em contraste com a teoria da música analítico , é dedicada à análise e síntese de materiais de música, por exemplo sistemas de afinação , em geral, como preparação para a composição.
 
Etnomusicologia
Ver artigo principal: Etnomusicologia
 
Ethnomusicologist Frances Densmore gravação Blackfoot Montanha principal chefe do Bureau de Etnologia Americana (1916)
No Ocidente, a maior parte da história da música que é ensinado lida com a arte da música da civilização ocidental. A história da música em outras culturas (" música do mundo "ou o campo de" etnomusicologia ") também é ensinado nas universidades ocidentais. Isso inclui as tradições clássicas documentados de países asiáticos fora da influência da Europa Ocidental, bem como o povo indígena ou música de várias outras culturas. Estilos populares da música varia muito de cultura para cultura, e de período a período. Diferentes culturas enfatizou diferentes instrumentos ou técnicas, ou utilizar para música. A música tem sido usado não só para entretenimento, para cerimônias, e para a comunicação prático e artístico, mas também para a propaganda .
 
Há uma série de classificações de música, muitos dos quais são apanhados na discussão sobre a definição de música. Entre a maior delas é a divisão entre a música clássica (ou "arte" de música), e música popular (ou música comercial - incluindo música rock , música country e música pop ). Alguns gêneros não se encaixam perfeitamente em uma dessas "grandes" duas classificações, (tais como a música popular, música do mundo, ou a música jazz).
 
Como as culturas do mundo entraram em contato maior , seus estilos musicais indígenas têm muitas vezes mesclados em novos estilos. Por exemplo, os Estados Unidos bluegrass estilo contém elementos de Anglo - irlandês , escocês , irlandês, alemão tradições instrumentais e vocais e africanos, que foram capazes de fundir na sociedade multi-étnica dos Estados Unidos. Gêneros de música são determinados tanto pela tradição e pela apresentação como pela música real. Alguns trabalhos, como George Gershwin 's Rhapsody in Blue , são reivindicadas por ambos jazz e música clássica, enquanto o Gershwin Porgy and Bess e Leonard Bernstein 's West Side Story são reivindicadas por ambos ópera e do musical da Broadway tradição. Muitos festivais de música atuais comemorar um gênero musical específico.
 
Música indiana , por exemplo, é um dos tipos mais antigos e os mais longos de vida da música, e ainda é amplamente ouvido e realizado no Sul da Ásia, bem como a nível internacional (especialmente desde a década de 1960). Música indiana tem basicamente três formas de música clássica, Hindustani , Carnatic , e Dhrupad estilos. Ele também tem um grande repertório de estilos, que envolvem apenas a música de percussão, como as performances talavadya famosos no Sul da Índia .
 
A musicoterapia
Ver artigo principal: A musicoterapia
A musicoterapia é um processo interpessoal na qual o terapeuta utiliza a música e todas as suas facetas-físicas, emocionais, mentais, sociais, estéticos e espirituais para ajudar os clientes a melhorar ou manter sua saúde. Em alguns casos, as necessidades do cliente são abordadas diretamente através da música; em outras, eles são abordados através das relações que se desenvolvem entre o cliente eo terapeuta. A musicoterapia é utilizada com indivíduos de todas as idades e com uma variedade de condições, incluindo: transtornos psiquiátricos, problemas médicos, deficiências físicas, deficiências sensoriais, deficiência de desenvolvimento, abuso de substâncias, distúrbios de comunicação, problemas interpessoais e envelhecimento. Ele também é usado para: melhorar a aprendizagem, desenvolver a auto-estima, reduzir o stress, apoiar o exercício físico , e facilitar uma série de outras atividades relacionadas à saúde.
 
Uma das primeiras menções de musicoterapia foi em de Al-Farabi (c 872 -. 950) tratadistas Significados do intelecto , que descreveu as terapêuticas efeitos da música sobre a alma . [ 55 ] [ verificação necessário ] A música tem sido muito utilizado para ajudar as pessoas a lidar com suas emoções. No século 17, o estudioso Robert Burton 's A Anatomia da Melancolia argumentou que a música ea dança foram fundamentais no tratamento de doenças mentais , especialmente melancolia . [ 56 ] Ele observou que a música tem um "excelente poder ... para expulsar muitas outras doenças "e ele chamou-lhe" um remédio soberano contra o desespero e melancolia. " Ele ressaltou que, na Antiguidade, Canus, um violinista de Rodes, usou a música para "fazer um Homem alegre melancolia, ... um amante mais apaixonado, um homem religioso mais devoto." [ 57 ] [ 58 ] [ 59 ] Em Novembro de 2006 , Dr. Michael J. Crawford [ 60 ] e seus colegas também descobriram que a musicoterapia ajudou esquizofrênicos pacientes. [ 61 ] No Império Otomano , as doenças mentais foram tratados com a música. 
 
A música (do grego : μουσική [ τέχνη ] - mousike [ techne ], "arte das musas ") é, de acordo com a definição tradicional do termo, a arte de sensata e organizar logicamente uma combinação coerente de sons e silêncios , usando os princípios fundamentos da melodia , a harmonia e ritmo , com a intervenção de processos psico-mentais complexas. O conceito de música tem evoluído a partir de suas origens na Grécia antiga , onde se encontrou com independentemente de poesia, música e dança como unidade art. Durante várias décadas, tornou-se uma definição mais complexa do que é eo que não é música como compositores apresentados, sob diversos tipos de experiências artísticas fronteira, fizeram obras que, embora poderia ser considerado música, expandindo os limites do a definição desta arte.
 
A música, como qualquer forma de arte, é um produto cultural . O objetivo desta arte é provocar uma experiência estética no ouvinte, e expressar sentimentos, emoções, circunstâncias, pensamentos ou idéias. A música é um estímulo que afeta o campo perceptivo do indivíduo; assim, o fluxo de som pode cumprir diferentes funções (de entretenimento, comunicação, ambiente, etc.).
 
Índice  [ hide ] 
1 Definição de música
2 Parâmetros de som
3 elementos da música
4 Cultura e música
5 notação musical ocidental
6 Veja também
7 Referências
8 Bibliografia
9 Ligações externas
Definição de música [ editar ]
 
Música clássica ocidental foi desenvolvido um método de gravação com base em dois eixos: a horizontal representa a passagem do tempo, e a altura vertical do som; a duração de cada som é dado pela forma das figuras musicais .
As definições partem de dentro das culturas, e, portanto, o sentido da expressão musical é afetado por problemas psicológicos, sociais, culturais e históricas. Desta forma, as definições múltiplas e diversas que podem ser válidas no momento de expressar o que se entende por música surgir. Nada, no entanto, pode ser considerada perfeita ou absoluta.
 
Uma definição bastante ampla determina que a música é som organizado (como uma formulação perceptível, coerente e significativa). Esta definição pressupõe que-que, para que consensualmente pode ser chamado de "música" - pode-se ver certos padrões de "fluxo sonic" dependendo de como as propriedades do som são aprendidos e transformados por seres humanos (há mesmo quem considere também para animais).
 
Hoje em dia é comum para trabalhar com um conceito de música com base em três atributos principais: utiliza sons , que é um produto humano (e, neste sentido, artificial) e predominante função estética . Se levarmos em conta apenas os dois primeiros elementos da definição, nada iria diferenciar a música de linguagem. Quanto à função de "estética", é um ponto bastante discutível; Assim, por exemplo, uma propaganda "do jingle" No Longer Music desempenhar um nenhuma função estética (tentando vender uma mercadoria). Além disso, falar de uma função de "estética" pressupõe uma idéia de música (e da arte em geral) funciona de forma autónoma, fora do funcionamento da sociedade, como vemos na teoria da arte do filósofo Immanuel Kant .
 
Jean-Jacques Rousseau , autor das vozes musicais em L'Encyclopédie de Diderot , depois recolhidos em seu Dictionnaire de la Musique , um definiu como "a arte de combinar os sons de maneira agradável ao ouvido." 2
 
De acordo com o compositor Claude Debussy , a música é "um total de forças dispersas expressa em um processo de som que inclui metro, o performer, o criador e sua obra, um meio de propagação e sistema receptor."
 
Os manuais de música definição mais comum isso parece bastante "a música é a arte de combinar sons bom tempo." Esta definição não parar para explicar o que é arte, e assume que há combinações "bem feito" e outros que não são, o que é, no mínimo, discutível.
 
Alguns estudiosos têm definido e estudou música como tons ordenou um conjunto de horizontalmente (melodia) e vertical (harmonia). Esta ordem ou estrutura deve ter um conjunto de som a ser chamado de música é, por exemplo, presente nas afirmações filósofo alemão Goethe, quando comparado com a Arquitetura, metaforicamente definida a arquitetura como "música congelada". A maioria dos pesquisadores concorda aparência da estrutura, ou seja, o fato de que a música envolve uma organização; mas alguns teóricos modernos diferem em que o resultado deve ser prazeroso ou agradável.
 
Parâmetros de som [ editar ]
 
Distribuição de Notas musicais no teclado de um de piano . Cada nota representa uma frequência de som diferente.
Ver artigo principal: teoria musical
A música é composta por dois elementos básicos: sons e "silêncios" .
 
O som é a sensação percebida pelo ouvido para receber as variações de pressão geradas pelo movimento vibratório de corpos soando. É transmitido pelo meio que rodeia, o que é geralmente o ar a partir da atmosfera . A ausência notável de som é silêncio, embora num sentido relativo, desde silêncio absoluto não ocorre na natureza .
 
O som tem quatro parâmetros fundamentais:
 
A altura é uma consequência da frequência , que produz um corpo sonoro; ou seja, a quantidade de ciclos de vibração por segundo ou hertz (Hz) que são emitidas. De acordo com isso, você pode definir sons como " grave "e" triplo ". Quanto maior a freqüência, mais agudo (ou superior) soará. O comprimento de onda é a distância medida na direcção de propagação da onda, entre dois pontos, que é o mesmo estado de movimento; ou seja, atingindo os valores máximos e mínimos no mesmo instante.
A duração é o tempo que durar as vibrações que produzem som. A duração do som está relacionado com o ritmo . A duração é mostrada na segunda onda nele contido.
A intensidade é a força com que um som é produzido; depende de energia. A intensidade é representado numa amplitude de onda.
O timbre é a qualidade que distingue os diferentes instrumentos ou vozes , mesmo que eles estão produzindo sons com a mesma altura, duração e intensidade. Os sons que ouvimos são complexas; ou seja, são o resultado de um conjunto de sons simultâneos (tons, sobretons e harmônicos ), mas nós percebemos como um (som fundamental). O anel depende da quantidade de harmónicas ou forma de onda e possuindo uma intensidade de som de cada um deles, o qual é chamado espectro. O sino é representado em um Desenho de ondas. Um som puro, frequência fundamental ou cada Bifónico, é representado por uma onda sinusoidal , ao passo que um complexo de som é a soma das ondas sinusoidais puras. O espectro é uma série de barras verticais espaçados ao longo de um eixo de frequência e representando cada um dos sinusóides para cada harmónico, e a sua altura indica a quantidade que proporciona o efeito de cada resultante.
Veja também: nota musical
Elementos da música [ editar ]
Organização coerente de sons e silêncios (como uma forma de percepção) dá fundamentos da música, que são a melodia, harmonia e ritmo. A maneira como eles são definidos e aplicados esses princípios variam de uma cultura para outra (também há variações sazonais).
 
A sintonia é um conjunto de sons -concebidos dentro de um campo determinado som que soa sucessivamente um após o outro (vista horizontal), e percebida com a identidade e auto-respeito. Ele também silêncios fazem parte da estrutura da melodia, colocando pausas "discurso melódico." O resultado é uma frase gramaticalmente e semanticamente bem construído. É discutível, nesse sentido, se uma sequência de doze tons poderia ser considerado uma música ou não. Quando duas ou mais melodias simultâneas chamadas contraponto .
A harmonia , sob uma concepção vertical de som, e cuja unidade básica é o acorde ou tríade regula a relação entre sons que soam simultaneamente e ligação com sons vizinhos.
A métrica refere-se ao padrão de repetição em intervalos regulares, e certas ocasiões irregulares, sons fortes ou fracos e silêncios em uma composição.
O ritmo é o resultado final do referido, por vezes, com grandes variações, mas em uma avaliação muito geral, é a capacidade para gerar contraste na música, esta é causada pelas diferentes dinâmica, timbres, texturas e sons . Na prática refere-se à acentuação do som e da distância temporal entre o início eo seu fim, ou, dito de outra forma, a sua duração.
Outros parâmetros de música são a forma musical , a textura musical e instrumentação .
 
Cultura e música [ editar ]
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Fiddler on the Cathedral em Dublin.
Grande parte das culturas humanas têm manifestações musicais. Algumas espécies de animais também são capazes de produzir sons de forma organizada; o que define a música dos homens, então, não é tanto ser um "direito" (ou "harmonioso" ou "bonito") combinação de sons no tempo como sendo uma prática de seres humanos dentro de um grupo nomeadamente social.
 
Independentemente do que as diversas práticas musicais de diferentes povos e culturas têm em comum, é importante não perder de vista a diversidade das ferramentas usadas para produzir música, quanto às formas de emissão de voz, quanto às formas para tratar o ritmo e melodia, e acima de tudo a respeito do papel da música em diferentes sociedades não é a mesma música que você ouve em uma celebração religiosa, a música que você ouve em um anúncio publicidade, ou dançava em uma boate. Considerando as funções que uma determinada música desempenha em um determinado contexto social, podemos ser mais preciso na definição das características comuns de música, e mais respeitoso ao se aproximar de música que não são os da nossa sociedade.
 
 
Música - alegoriado representação da música ( Varsóvia , projetado por Józef Gosławski )
A maioria das definições de música ter apenas em conta alguma música produzida durante certo período no Ocidente, acreditando que as suas características são "universal", ou seja, comum a todos os seres humanos de todas as culturas e todas as vezes [ carece de fontes? ] . Muitos pensam que a música é uma linguagem "universal", uma vez que vários dos seus elementos, tais como melodia, ritmo, e especialmente a harmonia (relação entre as frequências das diferentes notas de um acorde) são explicações plausíveis aproximadamente matemática, e os seres humanos, em maior ou menor grau, são naturalmente capazes de perceber como bonito. Aqueles que acreditam que ignorar ou esquecer a complexidade dos fenômenos culturais humanas. Por exemplo, acreditou-se que a harmonia é um ato musical universal, quando na verdade ele é exclusivo para a música do Ocidente nos últimos séculos; ou pior, acreditava-se que a harmonia é peculiar à cultura ocidental [ carece de fontes? ] , pois representa uma forma mais "avançada" ou "superior" para a "evolução" da fase de música.
 
Outro dos fenômenos mais originais das sociedades ocidentais (ou ocidentalizada) é o complexo de divisão do trabalho, que é o sujeito da prática musical. Por exemplo, muitas vezes é o único que compôs a música, outro que corre, e outro terceiro que recolhe royalties. A idéia de que quem acredita que a música é outra completamente diferente a quem só é possível a Pessoa que executa, bem como a idéia de que o ouvinte a música não está presente no mesmo espaço físico onde ela ocorre na sociedade ocidental há alguns séculos ; o mais comum (ou seja, mais "universal") é o criador e intérprete são a mesma pessoa.
 
Notação musical ocidental [ editar ]
Desde a Grécia antiga (em relação à música ocidental), existem formas de notação musical. No entanto, é a partir da música da Idade Média (principalmente canto gregoriano ) começa a utilizar o sistema de notação musical que iria evoluir para o presente. No Renaissance cristalizada com traços mais ou menos definitivas que conhecemos hoje, embora como todos language- tem variado de acordo com as necessidades expressivas de usuários.
 
O sistema baseia-se em dois eixos: um horizontal, representada graficamente ao longo do tempo, e uma vertical que representa graficamente a altura do som. As alturas são lidos em relação a uma equipe (um conjunto de cinco linhas horizontais) no início é uma "chave" que tem a função atribuída ao pessoal linhas de uma nota musical particular. Em uma equipe chefiada pelo clave de Sol na segunda linha leremos como sol som que está escrito na segunda linha (contando a partir abaixo), como o som que está escrito no espaço entre a segunda e terceira linhas, como se o som na terceira linha, etc. Para os sons que estão fora da chave são escritas linhas adicionais . As teclas mais utilizadas são a fazer em terceira linha (palavra-chave que se enquadra na Do de 261,63 Hz, o centro C do piano), o Sol no segundo (que remete para a Sun, que é uma quinta acima do central) fazer, eo quarto Fa (referido Fa é uma quinta abaixo do meio C).
 
O discurso musical é dividida em unidades de tempo iguais, denominados bares: Cada linha vertical através do pentagrama marca o fim de uma bússola e o início da próxima. No início do pessoal pode ser uma fracção com dois números; o número superior indica o número de vezes que cada batida; O número inferior indica que unidade de tempo é.
 
Para escrever durações figuras sistema está sendo usado: o round (representada como um círculo branco), branco (um círculo branco com um pedaço de pau chamado escrow vertical), Preto (como o branco, mas com um círculo preto), o oitava (como o preto, mas com uma vara horizontal, que começa na ponta do caule), o XVI (como o oitavo, mas com as duas varas horizontais), etc .. Cada vale metade de seu antecessor: o valor branco metade de uma partida e duas vezes por preto, etc ..
 
Os números são durações relativas; para saber qual valor é a unidade de tempo na pontuação particular, devemos olhar para o número mais baixo indicando compasso: se 1, cada rodada vai corresponder a um tempo; se for 2, cada um, corresponder a um tempo de branco; se 4, cada vez vai ser representado por um preto, etc .. Assim, uma nota dirigida por um 3/4 será dividido em três medidas que entram preto (ou seis colcheias, ou preto e 4/8, etc.) ; uma medida de 4/8 terá quatro vezes, cada um representado por uma colcheia, etc.
 
Para representar os silêncios, o sistema tem outros sinais que representam uma semibreve, branco, etc ..
 
Como pode ser visto, as durações são definidos de acordo com uma relação binária (duplo ou metade), que não prevê a subdivisão de três, que irá ser indicado como "tripleto". Quando você quer uma nota ou pausa você adicionar metade de sua vida, ele colocou um ponto à direita (pontilhada). Quando você quiser que a nota dura, além de seu valor, outro determinado valor, duas notas são escritas e une através de uma linha de extensão arqueada chamado ligadura.
 
Em geral, as deficiências do sistema forem corrigidas por apelo a mais ou menos convencional, geralmente em palavras escritas italianos. Por exemplo, as intensidades são indicados pelo uso de f ( forte , forte) ou p ( de piano , mole), e pes Fs ou mais articulações. A pulsação é indicada em palavras no início da partitura que são, em ordem de velocidade: longo , lento , adagio , moderato , andante , allegro , presto .
 
Veja também: História da notação musical ocidental



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